8,1

„A Real Hero Dies In The End“, so der Titel eines Songs von Moss‘ neuer Platte „Ornaments“. Hoffentlich nicht! Denn dann wäre das neue Werk der Holländer vollkommen zu kurz gekommen und schnell in die „Dead-But-Still-Somehow-Alive“-Ecke geschoben. Schließlich haben die vier Herren das Potenzial, die neuen Helden der Indie-Pop-Szene zu werden.

„Ornaments“ ist das dritte Album der Band, die in Deutschland kaum bekannt ist, in den Niederlanden allerdings durchaus mit Fans herhalten kann. Die Helden in spe machen wunderbar leicht anklingenden Pop mit heftigem Indieeinschlag. Die Schwerter unserer Ritter sind Gitarren- und Tamburinförmig, das Ross, auf das sie gestiegen sind (alle vier auf ein einziges) klappert mit den Hufen, wie rhythmisches Händeklatschen. Ihre Ritterrüstung ist geschmiedet aus einer einprägsamen Gesangsstimme (fast ein wenig an Clap Your Hands Say Yeah erinnernd) und typischem Indiesound. Und so machen sie sich auf den Weg, die eingesperrte Prinzessin zu retten. Das arme Ding hockt im hohen Turm und langweilt sich mit abgeschmackten Sounds rum, ihre Anlage ist kaputt, lediglich der MP3-Player funktioniert noch und spielt in Endlosschleife dieselbe Playlist.

Ja. So könnte die Geschichte unseres vierköpfigen Moss-Helden anklingen. Natürlich befreit er die Prinzessin am Ende mit großem Trara und viel Konfetti. Aber wie macht er das? Ganz einfach – mithilfe altehrwürdiger Methoden. Moss spielen die Gitarren groß, geben dem zappeligen Takt den Vorrang und konzentrieren sich auf den guten alten Indiesound. Keine großartigen Experimente, keine Ausflüge in benachbarte Genres. Einfach guter Indie-Pop. Die Songs stimmen in sich, sie klingen großartig locker und unbeschwert, sie lassen Zehen tippen und Finger trippeln. Die Melodien sind einfach und noch beim ersten Hören mitsummbar.

„Ornaments“ ist ein gelungenes Indie-Pop-Album, das ein Happy End unseres Helden vermuten lässt. Wenn er sich seine Waffen beibehält, sich das Pferd schnappt und die Prinzessin befreit, dann stehen die Chancen für ein heldenhaftes Überleben mehr als gut.

Label: Excelsior Recordings | Kaufen

„Woke up, woke up! You won’t cheat the seasons!“ Kontrolliert schreien Tobin Prinz und Suzi Horn mehrmals hintereinander auf dem Track „Seed, Crop, Harvest“ im Duett ins Mikrofon und sind sich bewusst, dass alles seine Zeit braucht. Tatsächlich sind seit ihrem selbstbetitelten Debütalbum beinahe fünf Jahre vergangen. In der Zwischenzeit haben The XX mit einem ganz ähnlichen Hang zu düster-reduzierter Monotonie dem Post-Punk Gegenwärtigkeit eingehaucht. Für Prinzhorn Dance School ist jetzt auch die Zeit gekommen, die Ernte einzufahren – um an die abgewetzte Metapher von vorhin anzuschließen – und die fällt üppig aus.

„Clay Class“ begeistert vielleicht nicht beim ersten, aber beim zweiten Hinhören, weil es um die Details geht. Auch wenn die Reduktion und das ständige Wiederholen derselben Tonabfolgen zum Leitspruch ernannt werden und dadurch der Eindruck von Langeweile erweckt werden könnte: Die brüchige Schönheit der ansatzweise vorhandenen Melodien und die Bedeutungsvielfalt der assoziativen Texte entfalten sich, wenn man sich auf die Platte einlässt.

Stilistisch schließen Prinzhorn Dance School an ihr Debüt an. Das Prinzip ist denkbar einfach: Loopartiges Wiederholen einer Bassline, darüber tobt sich eine leicht verstimmte Gitarre aus, Call-and-Response Gesang und präzise formulierte kurze Phrasen vollgepackt mit Alliteration. Dazwischen immer wieder Pausen, wodurch die manchmal willkürlich aneinandergereihten, einzelnen Wörter gerade richtig zur Geltung kommen. Nicht alles ergibt Sinn, aber es entstehen Bilder, die für einen Moment vor dem inneren Auge aufblitzen. Manche davon bleiben hängen, wie das absurde „a tin of mixed fruit on a special occasion“, oder „skinny trees, naked in winter, britain in bloom“.

Die Tonart ist vielleicht nicht mehr ganz so düster wie beim Debüt und wechselt von direkt anklagend („Usurper“), über lakonisch-ironisch („Flora And Fauna…“, „Crisis Team“) zu einem fast schon fröhlichen „Happy In Bits“. Prinz und Horn sagten selbst, sie wollten auf „Clay Class“ etwas mehr „Colour“ und „Tenderness“ in ihre Songs bringen. Am besten gelungen ist ihnen das beim herzzerreißenden, bittersüßen „I Want You“, dem absoluten Highlight der Platte.

Das ByteFM Album der Woche – mit freundlicher Unterstützung von Panasonic.

Jeden Tag von Montag bis Freitag spielen wir im ByteFM Magazin zwischen 10 und 12 Uhr einen Song aus unserem Album der Woche. Ebenso im ByteFM Magazin am Nachmittag von Montag bis Samstag zwischen 15 und 17 Uhr und im ByteFM Magazin am Abend, montags bis freitags ab 19 Uhr. Die ausführliche Hörprobe folgt am Freitag ab 13 Uhr in Neuland, der Sendung mit den neuen Platten.

Unter allen Freunden von ByteFM verlosen wir einige Exemplare des Albums. Wer gewinnen möchte, schreibt eine E-Mail mit dem Betreff „Prinzhorn“ und seiner vollständigen Postanschrift an radio@byte.fm

Label: DFA Records | Kaufen

8,9

Ich frage mich bei Soloalben immer nach dem Grund für die Existenz dieser als solche – nehmen wir „Provincial“ von John K. Samson. Textlich und musikalisch hätte das hier auch gut und gerne eine neue, zugegebenermaßen etwas Neil-Young-akustigere Weakerthans-Platte sein können (und da dies bei Hauptsongwriterderbandsoloalben meistens so ist, rührt meine Verwirrung bezüglich der Existenz usw. daher). Aber hey, da sage ich nicht nein. Denn „Reunion Tour“ liegt jetzt auch schon wieder bald fünf Jahre zurück und „Provincial“ ist meiner Meinung nach das bisher beste Album des noch jungen Jahres.

Wobei das ja auch nur zur Hälfte stimmt. Dass „Provincial“ Musik aus dem Jahr 2012 ist, meine ich. Denn sechs der zwölf hier versammelten Perlen von Songs stammen je zur Hälfte aus den 2009 und 2010 erschienenen EPs „City Route 85″ und „Provincial Road 222″. Benannt nach – die ganz Schlauen haben es sich schon gedacht – Straßen, Straßen in Manitoba, der „östlichsten Prärieprovinz Kanadas“ (danke Wikipedia, ich habe dich wirklich vermisst letzte Woche Mittwoch, bitte tu so etwas nie wieder), der Heimat von John K. Samson, genauer gesagt. Und so beginnt auch „Provincial“ mit einem Song über den kanadischen Highway 1. Samson drückt darin die Verlorenheit und Isolation beim alleinigen Autofahren besser aus als ich das je könnte; denn wer kennt das nicht, wenn blöde Satelliten behaupten, man sei nirgendwo?

Und so fahren wir weiter durch Manitoba, vorbei an der kleinen Stadt Riverton, wo eine Lehrerin an ihre Affäre mit dem Direktor zurückdenkt („The Last And“, zum Glück hat Edna ja jetzt Ned, Skinner war eh eine Flasche). Riverton ist auch die Heimatstadt von Reggie Leach, ex NHL-Spieler (934 Spiele, 381 Tore, 285 Assists, gesamt 666 Punkte, Satan ist überall) und Angehöriger der First Nations (Überbegriff derjenigen Ureinwohner von Kanada, die nicht zu den Inuit zählen – noch mal danke, Wikipedia), für den Samson in dem Song „Ipetitions.com/Petition/Rivertonrifle“ eine längst überfällige Aufnahme in die Hockey Hall of Fame fordert, because „Reggie on a playoff run could make a dad go buy that new tv“.

Wirklich jeder Song hier wäre eine Nennung wert, ob „Stop Error“ oder „When I Write My Master’s Thesis“, die beide Samsons Neigung zu Videospielen verraten – der erstere referenziert Call Of Duty 4 und ist eine wunderschöne Interpretation eines Bach-Chors, der zweite, ein dreieinhalb-Minuten-Rocker, eine Meditation über die jedem Studenten bekannte Prokrastination im Angesicht anstehender Arbeiten und auch Samson ist bewusst, dass GTA hier ein massiver Zeitkiller sein kann. Hier könnte man jetzt schließen, dass Provincials Status als Soloalbum doch dadurch berechtigt ist, dass der Protagonist hier oft über Situationen von Entrücktheit, einsamer Freude und dergleichen singt (vgl. z. B. auch Oasis‘ „Listen Up“ mit dem Mantra „I don’t mind being on my own“), aber schon die Weakerthans hatten Songs, in denen sich die Katze eines Loners über dessen Einsamkeit und Antrieblosigkeit moniert.

In Kurzform: „Provincial“ von John K. Samson ist ein Superalbum von einem Supertypen. Wenn Ihr genug von 08/15-“Indie“-Bands mit belanglosen Texten, die besser aussehen als gute Songs schreiben können, oder bärtigen Naturbuschen-Folkies, die auch immer nur über das Gleiche singen, habt, hört rein, wenn Ihr Euch nicht ins eigene Knie schießen wollt.

Label: Grand Hotel van Cleef | Kaufen

5,3

Was soll das sein? „Intro To Fractions“? Eine Einführung in die Bruchrechnung, oder was? Ein Teil von etwas größerem? Ist diese Platte wohlmöglich nur ein Vorgeschmack auf das eigentliche Werk? Ein Intro? Und das sind jetzt eben Stücke, die noch nicht ganz ausgereift sind, denen die Energie und der Schweiß fehlt. Das Herzblut! Oder sind mit „Fractions“ etwa „Brüche“ gemeint? Musikalische Unebenheiten, Risse im Gitarrengletscher, gar Eruptionen? Oder ein Bruch mit Traditionen? „Intro To Fractions“ lässt den Hörer zunächst erstmal eins sein: ziemlich ahnungslos.

Doch wie so oft gibt die Geschichte Antworten: Nach ihrem 2008er „wir-wollen-so-klingen-wie-A-Place-To Bury-Strangers-nur-rotziger“-Debütalbum „Fire On Corridor X“ wollen sich All The Saints emanzipieren, die „nachdenklichen“ Ideen verfolgen. Gut so, denn „Fire On Corridor X“ war schon ganz schön auf die Fresse, fast machomäßig laut, trotzdem nicht schlecht – ohrenbetäubend eben. Zum Nachdenken braucht es Zeit. Fast vier Jahre! In dieser Zeit reist die Band aus Georgia viel herum und nimmt das neue Album in mehreren Studios in und um ihre Heimatstadt Atlanta auf. In Teilen, also in „fractions“? Aber: verderben viele Köche nicht den Brei? Hörbar ist das nomadische Aufnahmeverhalten der Band nicht. Zwar sind die Stücke weniger komprimiert, als auf dem Vorgängeralbum, tatsächlich hört man auch Brüche und weitläufigere Arrangements, so richtig kickt das aber nicht. Eine Innovation soll das sein, was das Label im Infobrief als „much more thoughtful“ beschreibt. Damit können nur die Songs gemeint sein, die offenbar noch gerade gut genug für das Ende der Platte sind. Der Titeltrack „Intro To Fractions“ erinnert mit schleifendem Gesang und vom Feedback her an Fields Of The Nephilim, „Sunk Hill“ ist Whiskey-Feeling pur: auf einer alten amerikanischen Veranda sitzen, in einem Schaukelstuhl, High Noon und saufen. Der Cowboy-Song der Platte, passend lo-fi aufgenommen. Ein alter Hut: auch das Debütalbum hatte seine unkonventionellen Momente.

Hachja, es schunkelt so daher. Wo ist denn nun der rote Faden? Im Stück „4 H Trip“ ist er nicht, aber das ist irgendwie abgefahren: gut eine Minute lang wunderschöne Orientierungslosigkeit. Sollte es da um Drogen gehen, gut getroffen! Aber sonst? Fields Of The Nephilim schauen häufiger vorbei, eher sind es die Wall of Sounds, die uns wie Druckerwalzen überrollen – und uns platt machen. „Intro To Fractions“ entwickelt nach ein paar Runden einen gewissen Reiz, da ist ein sonderbares Gewürz versteckt auf diesem von Feedback und Trommelergüssen geschundenen Album. Ein Abgrund – eine kranke Eleganz – ein letzter Anschlag der Gitarrenseite vorm Delirium. So ist die anfängliche Orientierungslosigkeit doch Konzept und Ergebnis „nachdenklicher“ Ideen? Eine schön verwirrende Platte.

All The Saints – „Half Red, Half Way“ (Download)

Label: Souterrain Transmission| Kaufen

Hab ich da die falsche CD im Player? „Phoenix“, der Albumopener von „The Bird Is Coming Down To Earth“ klingt doch sehr nach den immens populären Fleet Foxes. Es ist daher berechtigt, wenn sich der geneigte Konsument fragt, ob er diese Platte noch im Schrank braucht, wenn da schon genannte Füchse, Laura Gibson oder andere Musiker der neuen amerikanischen Folk-Welle stehen. Denn auch die Soft Hills brauen hier mit den gleichen Zutaten: Reverb en masse, Akustikgitarrengeklimpere, stampfend-galoppierende Drums und sehnsüchtige Harmoniechöre, gesungen von vier Männern mit Bärten.

Doch warum nicht, es muss es ja auch nicht immer musikalisch avantgardemäßig inspiriert sein. Dem Boss hält ja auch keiner mehr vor, dass er nur die 70er Variante von Dylan war, genauso wie Beck, Noel Gallagher oder die Beta Band ja auch nichts anderes taten, als von möglichst vielen anderen zu klauen. So nehmen The Soft Hills halt ihre Bühnenoutfits von Animal Collective und Synthieanklänge, z.B. im Lied „Midnight Owls“, könnten auch von OK Computer stammen, na und? Wenigstens treten sie im Gegensatz zum oben genannten Hauptreferenzpunkt Fleet Foxes (die sich mit den Hills übrigens auch überraschenderweise die Heimatstadt Seattle teilen) hin und wieder mal auf die Fuzz Box. Ihr Anbandeln mit Psychedelica-Elementen ist nämlich genau das, was dem Folk hier den Staub von der Mütze bläst. Und sowieso werden The Soft Hills einfach gebraucht, weil Potheads immer Bands und Alben brauchen, in die sie komplett abtauchen können.

Die Hillys haben also aufgepasst: Alle Komponenten sind vorhanden, um Buzz in der Indieblogosphere zu generieren und, wie gesagt, warum sollte sie dies auch nicht. Denn in den einschlägigen Szene-Etablissements der Welt rotierten auch schon schlechtere Platten als „The Bird Is Coming Down To Earth“. Negativ auffallen werden die Soft Hills neben den anderen jedenfalls weder hier noch in den Bildstrecken von Musikexpress und Co.

Das ByteFM Album der Woche – mit freundlicher Unterstützung von Panasonic.

Jeden Tag von Montag bis Freitag spielen wir im ByteFM Magazin zwischen 10 und 12 Uhr einen Song aus unserem Album der Woche. Ebenso im ByteFM Magazin am Nachmittag von Montag bis Samstag zwischen 15 und 17 Uhr und im ByteFM Magazin am Abend, montags bis freitags ab 19 Uhr. Die ausführliche Hörprobe folgt am Freitag ab 13 Uhr in Neuland, der Sendung mit den neuen Platten.

Unter allen Freunden von ByteFM verlosen wir einige Exemplare des Albums. Wer gewinnen möchte, schreibt eine E-Mail mit dem Betreff „The Soft Hills“ und seiner vollständigen Postanschrift an radio@byte.fm

Label: Tapete Records | Kaufen

7,7

„One One Zero Zero Zero One One One One.“ Die Computernerds erkennen in dieser Abfolge eine Programmierung, die wahrscheinlich direkt in den Sicherheitstrakt des Weißen Hauses führt, der Mathematiker erstellt direkt einen Logarithmus aus der Zahlenkombination und der Musikfreund erkennt darin nicht Bonapartes „Blow It Up“ (Achtung! Hier nämlich: 01101110110011), sondern die neue Single von Bondage Fairies: „1-0″.

Wie passend die erste Auskopplung aus dem neuen Album der Schweden gewählt ist! Handelt es sich bei den drei Herren doch um eine Art ‚Club der Spielkinder‘. Das nun erschienene Album „Bondage Fairies“ klingt an wie der gute alte Game Boy. Game-Sounds ohne Ende, dazu einfache und eingängige Melodien gepaart mit, wie sollte es anders sein, schicken Electro-Beats.

Bondage Fairies wecken nicht nur Erinnerungen an die Game-Sounds der 90er Jahre, sie lassen auch den Partyfinger wieder aufleben. Das Trio kreiert Songs, die eingängig sind, die spielfreudig sind, die Partylaune verbreiten. Kein Wunder, dass das nunmehr dritte Album der Spielejungs bei Audiolith erschienen ist. Es scheint die perfekte Kombination zu sein. Man möchte „Bondage Fairies“ beinahe als typisches Audiolith-Produkt bezeichnen: Typische Elektroklänge, netter Gesang und zwischendrin immer mal die E-Gitarre ausgepackt.

Die schwedische Band lebt von ihrem Spiel mit dem Game-Sound. Stets präsent, aber nie aufdringlich, lassen sie die Nintendo-Klänge durch ihr Album ziehen und somit zum Markenzeichen ihrer Musik werden. Super Mario hüpft plötzlich durch den Gehörgang, die Augen spielen Tetris, die Daumen beginnen unbemerkt und unaufhaltsam die jahrelang trainierten Nintendo-Übungen zu vollziehen.

Bondage Fairies sind wie kleine Jungs beim Spielen. Der Unterschied: Was früher der ewig nervige Nintendo-Sound war, ist heute grandios neuinterpretierte Musik.

Da fällt mir ein: Wo ist eigentlich mein Game Boy?

Label: Audiolith | Kaufen

7,0

„Let’s go eat the factory / let’s go running in there“, schlägt Robert Pollard im herrlich dahindengelnden Eröffnungstrack des neuen Guided-By-Voices-Albums vor. Aufruf zur Revolution im Zeitalter von Occupy und Co.? Das sei mal dahingestellt, denn auch wenn die Welt (wie eigentlich fast immer, wenn man den Massenmedien glauben darf) gerade am untergehen ist, dürfen wir uns an einer neuen GbV-Platte erfreuen, der mittlerweile 16. und ersten nach acht Jahren.

Also, wie ist „Let’s Go Eat The Factory“? „Reunion-Abzocken-Ausschuss“ oder ganz oben mit den anderen auf der goldherzigen Bergspitze? Das eingangs schon angesprochene „Laundry And Lasers“ kann man sich perfekt als Opener für die demnächst anstehenden Konzerte vorstellen. „Doughnut For A Snowman“ zeigt, dass Guided By Voices immer noch große Pophymnen schreiben können. Könnte ich mir 1A als Stimmungsaufheller beim Frühstück für den Start in den Tag vorstellen („Starts off her day with a Krispy Kreme doughnut / As sweet as life can get“). „The Unsinkable Fats Domino“, GbVs Hommage an den mittlerweile 83-jährigen Rock ’n’ Roller funktioniert dagegen sicher auch in der Indiedisco Eures Vertrauens und Robert Pollards unverkennbare Stimme nölt sich wie früher schön in einoktaviger Bandbreite durch die ganze Scheibe. Aber bei „How I Met My Mother“ kommt man vielleicht auch auf den Grund für die Reunion: Dem Robert wurde das viele Sitcom gucken irgendwann zu langweilig, deswegen trommelte er noch mal die Jungs zusammen.

Soundtechnisch ist „Let’s Go Eat The Factory“ ein interessanter Mix aus ihrem alten Trademark-Lo-Fi-Sound und „richtig“ im Studio produzierten Stücken. Obwohl ich, wie Jan Müller einst sang, kein Lo-Fi-Spießer sein möchte, bin ich dennoch der Meinung, dass Guided by Voices mit mehr als vier Spuren wie ein Hamburger mit Hack aus Kobe-Rind ist – irgendwie nicht richtig. Aber ich will ja nicht so sein, „Let’s Go Eat The Factory“ ist sein Geld wert – 21 Albumtracks, in denen alte Fans die Band wiedererkennen können und auch sicher sonst jeder was für sich findet.

Hier Guided By Voices‘ Auftritt bei David Letterman. Bassist Greg Demos ist im Gegensatz zu Fats Domino offenbar nicht (pardon) „unsinkable“:

Label: Fire | Kaufen

Wenn Ihr mehr über Guided By Voices erfahren wollt, hört doch am Sonntag ab 14 Uhr den ersten Teil eines großen GbV-Specials mit Kai Bempreiksz & Patrick Ziegelmüller.

An Selbstvertrauen mangelt es Richard Kylea Cowie, besser bekannt als Wiley, wohl kaum. Das vermittelt schon der Titel seines neuen Albums, „Evolve Or Be Extinct“, womit er sich selbst höchste Ansprüche auferlegt, diese aber auch weitgehend erfüllt. Gleich zu Beginn gibt er sich im Titelstück keine Blöße und verkündet: „My music can live forever“. Und auch in weiterer Folge wird er nicht müde, seinen künstlerischen Ausnahmestatus zu betonen. Immerhin gilt er als Begründer des Grime, oder dem von Wiley bevorzugten Begriff Eskibeat, einem Genre, das um das Millenium in East London seine Anfänge nahm und vor allem auch durch Dizzee Rascal den Weg aus dem Underground gefunden hat.

Nachdem Wiley in den letzten Jahren die Plattenfirma beinahe so häufig gewechselt hat wie seine Unterhosen, ist er 2011 wieder bei Big Dada gelandet, auf dem bereits sein drittes Album „Playtime Is Over“ erschienen ist. Seit seinen kommerziellen Erfolgen hat er immer wieder versucht, Kritikern, die ihm das übel nahmen, zu beweisen, dass er es noch drauf hat. Mit „Evolve Or Be Extinct“ hat er ihnen nun etwas vorgelegt, woran sie sich erstmal die Zähne ausbeißen dürften.

Auch wenn es nicht an allen Stellen komplett überzeugt, ist Wiley ein facettenreiches, humorvolles und nicht zuletzt persönliches Album gelungen, das auch an seinem Geburtstag veröffentlicht wird. Musikalisch vereint er darauf gekonnt die verschiedenen Einflüsse, die er im Laufe der letzten zehn Jahre aufgesogen hat. Da finden sich mit „Link Up“ oder „Boom Blast“ hypnotische Beats, die sich dauerhaft in den Gehörgang einnisten, oder „Scar“, ein Track, der an den Sound von Computerspielen aus den frühen 90ern erinnert. Daneben ist noch Platz für einen Dialog mit einem Zollbeamten in „Customs (Skit)“, der ihn zu einem Urintest auffordert und mit ihm eine gewisse Leidenschaft für Rihanna teilt, oder für mehrere Versuche, in verschiedenen Vierteln von London ein Taxi zu bestellen, was letztlich in einem einwandfreien Streitgespräch endet.

Die mit Überheblichkeit voll gepackten 13 Tracks kommen mitunter recht großkotzig daher. Abschließend bilanziert Wiley im letzten Stück aber nicht ohne Selbstironie: „This is just an album“. Ein Album mit dem programmatischen Titel „Evolve Or Be Extinct“, das – was seine Qualität anbelangt – ganz eindeutig zu ersterem tendiert.

Das ByteFM Album der Woche – mit freundlicher Unterstützung von Panasonic.

Jeden Tag von Montag bis Freitag spielen wir im ByteFM Magazin zwischen 10 und 12 Uhr einen Song aus unserem Album der Woche. Ebenso im ByteFM Magazin am Nachmittag von Montag bis Samstag zwischen 15 und 17 Uhr und im ByteFM Magazin am Abend, montags bis freitags ab 19 Uhr. Die ausführliche Hörprobe folgt am Freitag ab 13 Uhr in Neuland, der Sendung mit den neuen Platten.

Label: Big Dada | Kaufen

9,2

Aus den Boxen dröhnen Diagrams. Ähh, The Whitest Boy Alive. Äääh, nee, doch Diagrams. Verwirrung?!

Okay. Kopf ordnen, Ohren spitzen, Tanzverlangen unterdrücken und zuhören … Ja, doch, das sind Diagrams mit ihrem Album „Black Light“. Dieses Debüt kann gepflegt und ohne Umschweife als einer der gelungensten Starts in das musikalische 2012 bezeichnet werden. Die britischen Diagrams machen wunderbaren Electropop à la The Whitest Boy Alive: wunderbar tanzbar, wunderbar launig, wunderbar rhythmisch.

Die junge Band rund um Frontman Sam Genders (ehemaliges Mitglied von Tunng & The Accidental) scheint den elektronischen Pop-Dreh einfach raus zu haben. Rhythmische Raffinessen, die nicht dick auftragen, einfache Melodien und der grandiose Einsatz von so ziemlich allen gängigen Instrumenten lassen den unbedingten Drang nach Tanz, Spaß und guter Laune entstehen. Beine, Arme, Finger und der Kopf machen einfach, was sie wollen. Der Aufwand, die Gliedmaßen zu kontrollieren stünde in keinem Verhältnis zum Hörspaß. Also, go for it!

Und nicht nur der Hörer hat hier Spaß. „Black Light“ strotzt nur so vor Gestaltungsfreude. Den Spaß, den die Band beim Aufnehmen hatte, scheint man beinahe zu spüren. Kleine unauffällige Einsätze von Trompeten und Streichern zu dem permanenten Pop-Takt und ständige „Hey’s“ und „Ho’s“, die den omnipräsenten Gesang durchbrechen, zeigen nicht nur Mut zur Vielfalt, sondern machen das Hören noch umso vergnüglicher.

Diagrams haben ein Album produziert, das nur wenige Worte benötigt. Es ist einfach wunderbare Tanzmusik, die die Laune steigen lässt und den Ausgehdrang wach ruft. Eben genau so wie The Whitest Boy Alive.

Label: Full Time Hobby | Kaufen

6,7

Mit „Appearances“ erscheint dieser Tage das vierte Album, das Dirk Darmstaedter als „Me And Cassity“ veröffentlicht. Eines vornweg: Ich bin kein Darmstaedter-Experte, kenne ihn eher als Tapete-Labelchef und Hin-und-wieder-Gesangspartner von Bernd Begemann. Auch fällt mir nichts zur Getränkegläserfixiertheit des Videos zur ersten Single „Fred Astaire“ ein, leider, jemand anderes hätte hieraus vielleicht ein geniales Bonmot basteln können. Doch nun zum Album:

„Appearances“ ist ein Album, das definitiv nicht nach 2012 klingt. Das ist eine Platte, die als Soundtrack zum Roadtrip ebenso gut funktionieren würde wie sie es als Hintergrundmusik im Café oder einfach zum Hören daheim auf dem Sofa tut. Darmstaedter erwähnte im Interview mit ByteFM Moderator Frank Lechtenberg, dass auf „Appearances“ Poppigkeit bei der Auswahl der Stücke das Credo war. Er ließ sich dabei von Musikern wie Todd Rundgren oder den Turtles inspirieren, auch Burt Bacharachs Einfluss kann man z. B. im Stück „The Last Troubadour“ deutlich vernehmen. Zum Takt von „Time To Put The Hammer Down“ hört der Fuß gar nicht mehr auf zu wippen – bei auch im ethanolarmen Zustand tanzaffineren Menschen mag da sogar mehr passieren – und die Harmonien im eingangs erwähnten „Fred Astaire“- gesungen von Therese Johannson, die Darmstaedter im schwedischen Göteborg rekrutieren konnte – vermögen durchaus für aufgestellte Nackenhaare zu sorgen.

Die Texte drehen sich auf „Appearances“ um die üblichen Verdächtigen: Liebe, Beziehungen und Verlassen werden, um das Weitermachen trotz aller Widrigkeiten („Bring It On“) und dabei nimmt Darmstaedter sich ja auch nicht viel zu anderen Hamburger Kollegen seiner Altersklasse. Hierbei beschleicht mich jedoch die Befürchtung, wie Darmstaedter auch selbst in den nächsten 20 bis 30 Jahren keine weiteren Einsichten auf diese Themen erlangt zu haben, die nicht auch jetzt schon naheliegen würden. Vielleicht habe ich auch einfach das Gefühl, fast die gleichen Texte schon zu oft von Männern im „besten Alter“ gehört zu haben, nur an anderer Stelle halt auch besser.

Dennoch wirkt „Appearances“ auf jeden Fall sehr wohltuend nach den letzten, feiertagsbedingt veröffentlichungsarmen Wochen, wenn auch für meinen Geschmack von Zeit zu Zeit zu wohltuend – böse ausgedrückt kann man es nämlich auch als glatt produzierte Altherrenpopplatte bezeichnen, Schroffheit ist hier Fehlanzeige und wäre „Appearances“ ein Gericht, spräche ich mich für Rotwein als Begleitung aus. Aber muss ja auch nicht immer Nonstop-Wodka-Komasaufen sein, hin und wieder hat man ja auch mal einen Kater.

Label: Tapete | Kaufen