Scout Niblett – „It’s Up To Emma“

VÖ: 24. Mai 2013
Web: scoutniblett.com
Label: Drag City

Wenn eine Künstlerin ihr neues Album mit den Zeilen „I think I‘m gonna buy me a gun, a nice little silver one / And in a crowd someday, you won‘t see it comin‘ anyway“ beginnt, kann man davon ausgehen, dass man es mit einer Platte der ernsteren Sorte zu tun haben wird. Doch mit genau diesen Worten verliert Scout Niblett sich in „Gun“ in von Eifersucht motivierten Mordplänen an einem verflossenen Liebhaber. Ohne Umschweife ist damit das Thema von „It‘s Up To Emma“ klar: Das Album ist eine Auseinandersetzung mit allen Aspekten der gescheiterten Liebe.

Emma „Scout“ Nibletts Vorliebe für minimalistische Arrangements wirkt dabei auf „It‘s Up To Emma“ noch songdienlicher als zuvor: Selten werden die Titel von mehr als einer dreckig angezerrten Gitarre und Drums begleitet; von Zeit zu Zeit mischen sich brüchige Streicher in die Arrangements. Diese Reduktion lässt Nibletts starke Stimme uneingeschränkt im Vordergrund stehen und schafft so Raum für ihren facettenreichen Gesang, der in kürzester Zeit vom leisem Flehen in energisches Schreien übergehen kann. Ihre Texte wirken wie ein Nachruf auf – mal vor längerer Zeit, mal gerade erst – beendete Beziehungen, in den sich alle dazugehörigen Gefühle mischen.

Das Hin- und Hergeworfensein zwischen Emotionen wie Wut und Trotz, Eifersucht, Sehnsucht, Hoffnung und schließlich auch Akzeptanz ist der zentrale Topos des Albums. Selbst ein zerbrechliches Cover des TLC-Klassikers „No Scrubs“, das Niblett im Duett mit Emil Amos eingesungen hat, fügt sich in seinem Wunsch nach Alleinsein und mit seinem lakonischen Gesang nahtlos ins Narrativ der Platte ein. Die Songs sind subjektiv, fast schon egozentrisch: Die Darstellung von Situationen nimmt ausschließlich die Ich-Position ein; aus dieser Perspektive werden Geschehnisse und Gefühle in den Songs geschildert. Das, und vor allem der Inhalt der Songs, macht „It’s Up To Emma“ sehr persönlich. Die Texte lassen spüren, dass es sich häufig um die Verarbeitung tatsächlicher Erlebnisse handelt, die hier Inspiration war.

In vielerlei Hinsicht ist „It’s Up To Emma“ ein nacktes, sehr intimes Album. Dass Emma Niblett ihren bürgerlichen Vornamen in den Titel nimmt, ist ein erstes Anzeichen dafür: Hier gibt es keine Künstlerpersönlichkeit, keine Fassade, um sich dahinter zu verstecken. Das Gleiche gilt für die brüchigen Arrangements und aufrichtigen Texte, die ihre Wirkung von der Mischung aus Identifikationspotential und beobachtender Faszination ziehen. Dass sie in Handschrift im Booklet notiert sind, unterstreicht nur noch mehr, was für einen tiefen Einblick man in die Persönlichkeit Nibletts zu haben scheint. Diese nahezu uneingeschränkte Offenheit und die ehrliche Darbietung verleihen „It’s Up To Emma“ seine Intensität.

Das ByteFM Album der Woche.

In den ByteFM-Magazin-Sendungen spielen wir täglich Musik aus unserem Album der Woche. Die ausführliche Hörprobe folgt am Freitag ab 13 Uhr in Neuland.

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Wampire – „Curiosity“

VÖ: 17. Mai 2013
Web: wampiremusic.com
Label: Polyvinyl

In Klamotten, die wohl auch der größte Flohmarktjünger bestenfalls als Kuriosität durchgehen lassen würde, mit gelben Augen und blaugeschminkten Lippen präsentieren sich Rocky Tinder und Eric Phipps auf dem Cover des Debutalbums ihres Projekts Wampire. Umgeben von einem bunten Strudel aus Farben und Sternen lässt das Bild zusammen mit dem kuriosen Make-Up den Eindruck aufkommen, man könnte es mit dem Plakat für eine neue Crossover-Fernsehserie zu tun haben: Magnum meets Star Trek.

Wem diese Kombination gar zu absurd vorkommt, sollte Wampires Musik kennenlernen, denn auch dort vereinen Wampire so einiges an Gegensätzen. Aus der Musikszene von Portland, aus der Bands wie STRFKR und Unknown Mortal Orchestra hervorgegangen sind, stammend, wurde das Duo vom Label Polyvinyl gesigned, um das Album „Curiosity“ aufzunehmen. Produiziert wurde die Platte dabei von niemand geringerem als Jacob Portrait vom Unknown Mortal Orchestra. Mit diversen Song- und Soundfragmenten im Gepäck zogen Wampire ins Studio, wo sie diese assoziativ und häufig improvisiert zusammen mit Portrait zu Songs zusammensetzten. Diese freie Arbeitsweise spürt man auch beim Hören, denn entstanden ist dabei ein Album, das verschiedenste stilistische Einflüsse der letzten 50 Jahre Musikgeschichte in sich vereint.

Die im März veröffentlichte erste Single „The Hearse“, die das Album eröffnet, vereint Analogsynths, Farfisa-Orgel und Gitarren zu einer schimmernden Rocknummer, die sich in der Mitte mit einem sphärischen Break selbst unterbricht, um schließlich wieder in einen treibenden Rhythmus auszubrechen. Dass die B-Seite der Single ein Cover von Kraftwerks „Das Modell“ (in vorzeigbarem Deutsch!) ist, liefert einen Vorgeschmack auf die unterschiedlichsten musikalischen Einflüsse, die Wampire in ihren Songs verarbeiten. Der folgende Titel „Orchards“ präsentiert sich mit sanften Gitarrenarpeggien, gepfiffenen Melodien und sehnsuchtsvollem „Laa-Laa“-Refrain wie der Soundtrack zu einem Retro-Western. „Giants“ lässt Surfrock-Stimmung aufkommen, den Tracks „Trains“ beschreibt die Band selbst als „Motown meets Strokes“. Andernorts scheint Jean Michel Jarre auf Franz Ferdinand zu treffen. Immer wieder sind es Synthesizer mit 70er-Jahre-Einschlag und jaulende Orgeln, von denen die Songs zusammengehalten werden.

Auf den ersten Blick mag das Album zunächst wie eine schlichte Collage aus Retro-Pop erscheinen. Dahinter steht jedoch mehr, denn trotz aller Genrezitate schaffen Wampire es, ihre zahlreichen Inspirationen geschickt miteinander zu einem eigenen Stil zu verbinden. Das macht „Curiosity“ zu einem Schmelztiegel aus Einflüssen, denen das Duo seinen eigenen Stempel aufdrückt und der von genau diesem Verhältnis zwischen Zitat und eigener musikalischer Aussage lebt.

Das ByteFM Album der Woche.

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Label: Polyvinyl | Kaufen

Bibio – „Silver Wilkinson“

VÖ: 10. Mai 2013
Web: mrbibio.tumblr.com
Label: Warp

Bereits im April veröffentlichte der englische Produzent Bibio, der mit bürgerlichem Namen Stephen Wilkinson heißt, den Orhwurm „À tout à l’heure“ als Vorabsingle zum kommenden Album. Nun erscheint „Silver Wilkinson“, so der Titel der neuen LP, am 10. Mai und lädt ein, sich in hervorragendem Dreampop fallen zu lassen.

Schon der Opener „The First Daffodils“ setzt die Stimmung für das Album: Eine sanfte Akustikgitarre und Synthie-Arpeggios weben zusammen mit warmen Streicherflächen ein schlichtes, aber charmantes Klanggeflecht. Dabei kommt der Track ganz ohne Gesang aus. Überhaupt ist „Silver Wilkinson“ Bibio-typisch kein Album der großen Worte. Gesang – wenn vorhanden – wird meist mehr als Klangfarbe verwendet denn als inhaltliches Medium. Meist sind die Vocals sehr zurückhaltend und nehmen nie zu viel Raum im Arrangement ein.

Umso mehr spielt das Album mit Klangelementen. Gekonnt vermischt Bibio elektronische wie akustische Soundtexturen so geschickt zu organischen Klangwelten, dass sich nur schwer ausmachen lässt, was da gerade warum so gut klingt. Immer ergeben Gitarren, E-Pianos, Samples und Synthesizer sowie der – wenn vorhanden – meist angenehm vom Geltungsbedürfnis befreite Gesang ein homogenes Ganzes. Obwohl die Songs aus einer Vielzahl von Schichten und Samples bestehen, ist da nie zu viel, nichts, was davon ablenkt, sich in der Musik zu verlieren. Von den tanzbaren Grooves des Vorgängers „Mind Bokeh“ ist nicht mehr viel zu spüren. „Silver Wilkinson“ ist mehr ein Vorstoß in clevere Ambient-Sounds und das Erforschen filigraner Klangcollagen. Wirkte „Mind Bokeh“ stellenweise experimentell und verspielt, gleingt Bibio mit „Silver Wilkinson“ eine von Anfang bis Ende runde LP. Mehr denn je wirkt das Album als ein einziges zusammenhängendes Stück.

„Silver Wilkinson“ ist Musik in Pastellfarben, eine Klangreise in Welten, in denen alles harmonisch ist. Hier geht es um das Eintauchen in die Tiefen von Stephen Wilkinsons hervorragend produzierten Soundschichten, in denen man auch nach mehrmaligem Hören immer noch Neues entdeckt. Nach knapp 50 Minuten mit den letzten Tönen von „You Won’t Remember…“ in die Realität entlassen, kommt man nicht umher, sich kurz die Augen zu reiben, denn Bibio ist mit „Silver Wilkinson“ ein äußerst stimmungsvolles Album gelungen, dem man die Leidenschaft zu Klängen in jedem Track anmerkt.

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Ghostpoet – „Some Say I So I Say Light“

VÖ: 3. Mai 2013
Web: ghostpoet.co.uk
Label: Play It Again Sam

Mit dem klangvoll betitelten „Peanut Butter Blues & Melancholy Jam“ stellte Obaro Ejimiwe alias Ghostpoet 2011 ein beeindruckend ausgereiftes Debutalbum vor. Gute zwei Jahre später erscheint nun seine zweite LP, die den Titel „Some Say I So I Say Light“ trägt.

Bereits im Februar veröffentlichte Ghostpoet die Vorabsingle „MSI musmiD“ als Download. Deren Text basiert laut Ejimiwe auf einem Traum, in dem Dim Sum und Nudeln befreundet sind und dennoch in Streit geraten – ein denkbar kurioses Thema für einen Songtext. Dennoch zeigt sich darin wie Ghostpoet Alltägliches mit Düsterem verbindet und Profanes in ein Spannungsverhältnis mit Surrealem setzt. Ob es nun Konflikte zwischen Speisen sind, innere Stimmen, die einem beim Warten auf den Zug einholen, oder die Befürchtung, zu viel Geld beim Onlineshopping auszugeben: Immer wieder schafft Obaro Ejimiwe es, kleine Alltagssituationen mit einem dunklen, teilweise bedrohlichen Unwohlsein zu belegen.

Die in den Texten erzeugte Atmosphäre spiegelt sich in der vielseitigen Musik wider. Während „Peanut Butter Blues & Melancholy Jam“ als Eigenproduktion im Schlafzimmer entstanden ist, hatte Ghostpoet für sein neues Album Richard Formby als Produzenten im Studio zur Seite. Mit ihm sind Arrangements und Sounds entstanden, die mehr in die Tiefe gehen und beachtlichen Sinn für Details haben. Stilistisch oszillieren Ghostpoets Songs irgendwo zwischen Hip-Hop, Trip-Hop und dem weiten Feld, das in Ermangelung eines besseren Begriffs meist als „Alternative“ bezeichnet wird. Dunkle Synthie-Flächen treffen auf industrielle Beats, während hypnotische E-Piano-Patterns und fragile Drum-Fills entfernte Jazz-Assoziationen hervorrufen. Gegenüberstellung ist auch hier ein Thema in der Musik von Ghostpoet, beispielsweise wenn das als finstere Downtempo-Nummer beginnende „Comatose“ ohne Vorwarnung in 8-Bit Arpeggios mit Streichquartett im Hintergrund ausbricht. Im Opener „Cold Win“ sind es verfremdete Bläserpassagen, die wie ein Wespenschwarm in den geradlinigen Songverlauf einfallen und ihn damit zu einem abrupten Ende bringen.

Über diesen vielseitigen Sounds schweben Ghostpoets Vocals zwischen Sprechgesang und Gesangsmelodien. Mal fester, mal zurückhaltender hat Obaro Ejimiwes Stimme stets etwas Zerbrechliches in sich, mit dem er seinem Alter Ego, dem „Geisterpoeten“, gerecht wird. Die Art, wie er mit brüchiger Stimme die letzten Wortsilben abreißen lässt, gibt dem Gesang seine geisterhafte, ephemere Qualität, die die stets präsente Introspektion in Ghostpoets Musik betont. Sein zweites Album zelebriert dieses in sich versunken Sein und die Gedanken, die damit einhergehen. Diese facettenreich ausgedrückte Mitternachtsstimmung macht „Some Say I So I Say Light“ zum Album, das einlädt, an dieser Beochbachtung des Selbst teilzuhaben.

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Mick Harvey – „Four (Acts Of Love)“

VÖ: 26. April 2013
Web: mickharvey.com
Label: Mute

Bereits der Vorgänger „Sketches From The Book Of The Dead“ war ein monumentales Konzeptalbum – ein intimes Werk, das sich mit den Themen Schmerz und Verlust auseinandersetzte. Harvey gelang das seltene Kunststück, auf einfühlsame Art und Weise die langsam verblassenden Bilder verlorener Freunde festzuhalten. Nun erscheint via Mute sein sechstes Studioalbum „Four (Acts Of Love)“, eine Kontemplation über die romantische Liebe – ihr Werden, ihr Bestehen und ihren Verlust.

Mick Harvey ist hierzulande vor allem durch seine ehemaligen Mitgliedschaften bei Crime And The City Solution und natürlich Nick Cave & The Bad Seeds bekannt. Mit ebenjenem Nick Cave spielte er bereits vor der Gründung der Bad Seeds in den 80er-Jahren bei der Band The Boys Next Door und deren Nachfolger The Birthday Party. Des Weiteren veröffentlichte er diverse Soundtracks für australische Independent-Filme (u. a. „Chopper“, „Australian Rules“, „Suburban Mayhem“). Jüngst wurde PJ Harveys Album „Let England Shake“ mit dem Mercury Prize ausgezeichnet, bei dem Harvey Co-Produzent war. Im Zuge der Veröffentlichung von „Four“ tourte er im März durch Neuseeland. Darauf folgt im Mai ein Auftritt beim I’ll Be Your Mirror Festival in London, wo er Songs von Serge Gainsbourg in englischen Versionen performt. Man darf sich Mick Harvey also zurecht als vielbeschäftigten Menschen vorstellen.

Aufgenommen wurde die neue Platte in den Studios „Grace Lane“ und „Atlantis Sound“ in Melbourne und ist thematisch in drei Akte unterteilt – „Summertime In New York“ (I), „The Story Of Love“ (II) und „Wild Hearts Run Out Of Time“ (III). Neben eigenen Kompositionen enthält „Four“ aber auch einen Song von PJ Harvey, „Glorious“, und Interpretationen von The Saints’ „The Story Of Love“, Van Morrissons „The Way Young Lovers Do“, Exumas „Summertime In New York“ und Roy Orbisons „Wild Hearts (Run Out Of Time)“. Als musikalische Begleitung hat sich Mick Harvey mit Rosie Westbrook am Kontrabass und JP Shilo an Violine und Gitarre kongenial verstärkt. Das vorliegende Resultat sind intime Folk-Rock-Stücke, die vom gedämpften und tiefen Gesang Harveys geführt werden. Mit wenigen Textzeilen schafft er es spielerisch, dass man den Geschichten in den Songs gefesselt lauscht. Hier besteht eine nicht zu leugnende Gemeinsamkeit mit Nick Cave, jedoch bietet Harvey einen anderen Ausblick: Statt Wut und Zynismus sind bei ihm eher Zärtlichkeit und Hoffnung zu finden. Fast vierzig Jahre an der Seite von Cave lassen sich eben nicht einfach wegwischen. Während sich der Altmeister früher gerne in fiktive Mordorgien gestürzt hat, wählt sein ehemaliger Gitarrist den persönlichen Zugang.

Im Mittelpunkt des Albums stehen geschmackvoll zusammengestellte Gitarren- und Klavierkompositionen, wie etwa beim Opener „Praise The Earth (Wheels Of Amber And Gold)“ oder bei „I Wish That I Were Stone“ und dem abschließenden „Praise The Earth (An Ephemeral Play)“. In durchdachter Regelmäßigkeit werden diese Stücke durch ruhige, düstere Arrangements unterbrochen, die den nächsten Akt einleiten oder beschließen. Das bedrohliche „Where There’s Smoke (Before)“, das betörende „The Way Young Lovers Do“, das akustische Kleinod „A Drop, An Ocean“ oder die jazzigen „Where There’s Smoke (After)“ und „Midnight On The Ramparts“ – minimalistisch inszeniert, aber dennoch existenziell stark aufgeladen. Harvey besitzt hierbei eine tiefe, vibrierende, angenehm unaufgeregte Stimme, die sich wie ein roter Faden durch die emotionalen Höhen und Tiefen der vierzehn Songs zieht. Man bekommt das Gefühl, dass am Anfang die Poesie oder auch die Geschichte steht, und sich erst dann langsam die Musik darum herum entwickelt.

„Four (Acts Of Love)“ ist ein konzentriertes und geistiges Sichversenken in die Komplexität der Liebe, das auf ganzer Länge wegen der permanenten Brüche nicht immer harmonisch klingt, dennoch im Kontext eines Konzeptalbums hervorragend funktioniert. Zudem ist es ein weiterer Beweis für Harveys vorsichtige Bescheidenheit und selbstsichere Ehrlichkeit.

Das ByteFM Album der Woche.

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Label: Mute | Kaufen

Junip – „Junip“

VÖ: 19. April 2013
Web: junip.net
Label: City Slang

Bis zur Veröffentlichung ihres ersten Albums haben Junip ganze zwölf Jahre gebraucht, die LP „Fields“ erschien 2010. Bis zum zweiten Longplayer der schwedischen Band sind zum Glück seitdem nicht ganz so viele Jahre vergangen: Ihr mit dem Bandnamen betiteltes, zweites Album erscheint diese Woche. Obwohl sich der Erstling „Fields“ für den begrenzten Bekanntheitsgrad der Band ziemlich gut verkauft hat, hat bei Junip keiner die enormen Zweitling-Erwartungen, wie sie auf andere Künstler dieser Tage zukommen.

Denn Junip zehren von ihrer Erfahrung und ihrem langen Zusammenspiel auf Tour. Die Band besteht aus Elias Araya (Schlagzeug), Tobias Winterkorn (Keyboard) sowie José González mit seinem markanten Gesang und seinen prägenden Gitarrenmelodien. Sein Erfolg als Solokünstler war wohl für das Sichhinziehen der Arbeit am Bandprojekt Junip mitverantwortlich – und ist noch immer der Grund dafür, dass die Band in erster Linie mit dem Solokünstler José González assoziiert wird. Doch der Klang der Band unterscheidet sich von den sehr reduzierten, akustischen Veröffentlichungen von José González, auch wenn Junip durch die Stimme ihres Frontsängers natürlich geprägt werden. Der Bandname als Titel der neuen Platte lässt aber erwarten, dass hier ein Stil darüber hinaus gefunden wurde, der repräsentativ für die Band ist. So ordnen auch die Künstler ihre Platte ein, schon der Entstehungsprozess, der nicht so recht einfach von der Hand gegangen sei, sei einfach „sehr Junip“ gewesen.

Die Ups und Downs dieser Arbeit waren sicherlich wichtig für die Platte, die diese Zeit gebraucht hat. Junip klingen nicht gewollt. Man kann sich schwer vorstellen, dass ans Publikum gedacht wurde, als die Songs geschrieben wurden. Der imaginäre Rezipient kann zumindest nicht die Popkritik oder ein potenzieller Konsument gewesen sein – vielleicht ein guter Freund. Denn die ruhigen Stücke klingen ehrlich und echt, die lauteren scheinen sich ganz aus sich selbst zu entwickeln. Diesen Eindruck der Intimität und Echtheit vermitteln Junip auch auf ihren Konzerten, wenn ihre Stücke sich zu Instrumentals mit doppelter Länge steigern und sie ihren Status als Band unterstreichen. Die Melodie, der Song, das Konzept erscheinen bei diesen Live-Entwicklungen nahezu zweitrangig, sie nehmen das Publikum mit auf eine Reise, deren Ziel sie am Anfang nicht zu kennen scheinen.

Doch Junips Sound wird dadurch nicht willkürlich. Das aufgenommene Album erzählt Geschichten und kann sogar Ohrwürmer aufweisen, besonders die vorab veröffentlichte Single „Line Of Fire“ und das nun ausgekoppelte Stück „Your Life Your Call“ begleiten Zuhörende womöglich dauerhaft. Dabei sind die beiden Stücke bilderschwer und intensiv, was die beiden Videos, die zu ihnen entstanden sind, noch verstärken. Der schwedische Regisseur Mikel Cee Karlsson machte aus den beiden Stücken einen Kurzfilm, der in einem Video begann und sich im nächsten fortsetzte. Ästhetisch aus dem Loopen kurzer Sequenzen bestehend, welche den Bildern eine beträchtliche Länge und Ruhe zu geben scheinen, gibt dieser Kurzfilm den Stücken eine ziemlich absurde Geschichte. Wenn man mit diesen Videos vertraut ist, ist es durch ihre Intensität erst einmal schwer, die Musik wieder als autonom zu sehen, so sehr prägen sich Bild und Ton gegenseitig.

Atmosphärische Klänge bestimmen dieses Album, Folk-Anleihen und überraschende Beats, Geräusche, sphärischer Gesang und ruhige Melodien wechseln sich ab. Dabei reicht manchmal ein Pfeifen aus und der markante González-Gesang darf zurücktreten. Die Grundstimmung ist oft düster, was der Band bisher das Genre Dark Pop aufgedrückt hat. Allerdings ist der Klang mitunter durchaus positiv, aufbauend, mitnehmend und immer sehr stimmungsvoll – Junip bilden mit den komplexen Arrangements und der instrumentalen Dichte Klänge, die sich nicht nur auf ihre Frontstimme reduzieren lassen. Das neue Album ergibt ein passendes Ganzes, das sich mit Stücken wie „Walking Lightly“ und den veröffentlichten Singles zu einer wundervollen, atmosphärischen Platte steigert.

Das ByteFM Album der Woche.

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The Knife – „Shaking The Habitual“

VÖ: 5. April 2013
Web: theknife.net
Label: Rabid

The Knife sind zurück und zwar mit gutem Grund. Dem Geschwisterpaar Karin und Olof Dreijer lag es fern, ohne konkretem Konzept an einem Nachfolger zu „Silent Shout“ zu arbeiten. Nachdem dieses 2006 erschienen war, widmeten sich die Bandmitglieder erst einmal anderen Projekten. Karin Dreijer wurde als Fever Ray bekannt, ihr Bruder machte unter dem Pseudonym Oni Ayhun Musik. Als es darum ging, sich wieder als The Knife zu betätigen, war es beiden wichtig, die Musik mit einer Message zu verbinden. Beide hatten sich mehr als zuvor mit aktuellen politischen und gesellschaftlichen Vorgängen auseinandergesetzt und darüber eine ganze Menge Unmut angesammelt. Dieser bildete die Grundlage für „Shaking The Habitual“, was übersetzt in etwa „an den Gewohnheiten rütteln“ bedeutet.

Gewohnheiten sind das, was The Knife Frustration bereiten. Die der anderen wie auch die eigenen. Deswegen können die musikalischen Strukturen auf dem aktuellen Album auf Fans der Band überraschend wirken. Es gibt einige Instrumentals, zum Beispiel das nach Post-Apokalypse klingende „A Cherry On Top“ und „Crake“, bei dem ein hochgepitchtes Nebelhorn auf entrücktes Rascheln und Knarzen trifft. Ganze sechs Tracks sind länger als acht Minuten und das heißt nicht, dass Raum für Erholungsmomente gelassen wurde. Dieses Album versprüht eine große Unruhe und ein großes Unbehagen. So zum Beispiel das beklemmende „Wrap Your Arms Around Me“ oder das 10-minütige Stück „Stay Out Here“, das nach dystopischem Techhouse klingt, den man definitiv nicht nach einer durchzechten Nacht hören sollte. Drumsamples werden von minimalistischen Synthieklängen gejagt und von einem bedrohlich klingenden Duett übertönt.

Es finden sich allerdings auch Stücke auf „Shaking The Habitual“, bei denen man so etwas wie eine Liedstruktur erkennt. „A Tooth For An Eye“ eröffnet das Album und bietet Anknüpfungspunkte zu „Silent Shout“. Es ist der Track, bei dem man sich am wenigsten fürchten muss, zu dem sogar müheloses Tanzen vorstellbar ist. Mühelos werden auch gewohnte Bilder von Machtverteilung und Männlichkeit im dazugehörigen Video auseinandergenommen. Ein junges Mädchen betritt einen Sportsaal voller Männer, die allesamt älter sind als sie, und lässt sie nach ihrer Pfeife tanzen. An diese Struktur und Thematik schließt „Ready To Lose“ an, das schon beim ersten Hören zugänglich klingt. Hier treffen verhältnismäßig wenige unterschiedliche Samples und Melodien aufeinander. Umso geladener sind die Lyrics. Karin Dreijers Stimme steht im Vordergrund und fragt: „Ready to lose a privilege?“ Das ist Intersektionalitätstheorie in Liedform.

Man muss allerdings genau hinhören, um etwas von der Dreijer’schen Gesellschaftskritik aufzunehmen. Die insgesamt 13 Stücke sind aufgrund der komplexen Arrangements durchaus anspruchsvoll, doch „Shaking The Habitual“ wurde nicht dafür gemacht, in sozialwissenschaftlichen Seminaren auseinandergenommen zu werden, obwohl das eine reizvolle Vorstellung ist. Hier möchte man nicht nur aufgrund der Texte, sondern vor allem wegen der abenteuerlichen Schichtungen handgemachter Klänge zuhören. Viele der Stücke sind aus Improvisationen der Geschwister hervorgegangen. Field Recordings fanden ebenso Verwendung wie eine Zither, die gleichzeitig gespielt und gestimmt wurde. Diese vielen einzelnen Frequenzen haben The Knife auf bemerkenswerte Weise zu einem Ganzen gefügt. Aus ihrem dekonstruktivistischen Ansatz ist ein Album entstanden, das irritiert, aber eben auch Neugier weckt. Und diese lässt einen dann doch bis zum Schluss an „Shaking The Habitual“ dranbleiben.

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Kurt Vile – „Wakin On A Pretty Daze“

VÖ: 5. April 2013
Web: kurtvile.com
Label: Matador

Mit seinem nunmehr fünften Soloalbum entwickelt sich Kurt Vile langsam zu einem bedeutenden Gitarristen und Songwriter seiner Generation. Diesen Status unterstreicht er mit „Wakin On A Pretty Daze“ – einem knapp 70-minütigen Manifest, irgendwo zwischen Lou Reed, Bruce Springsteen, Bob Dylan und Nick Drake.

Bereits beim ersten Durchlauf stellt sich die Frage, was Kurt Vile nicht für eine große Sehnsucht haben muss. Sein Wohnsitz Philadelphia liegt an der amerikanischen Ostküste und ist dort die zweitgrößte Stadt neben New York City. Trotzdem klingen die ausufernden Songs nach zeitlosen Stunden und Reisen im ländlichen Kern des Landes, tausende Kilometer weit entfernt. Am anderen Ende des Kontinents, an der Westküste, schlug in San Francisco Mark Kozelek mit seiner Band Sun Kil Moon vor einigen Jahren einen ähnlichen Weg ein. Zwar wesentlich folkiger als hier, aber ebenfalls voll von weichen, überlangen Songs im Geiste amerikanischer Traditionsmusik. Gerne wird Kurt Vile mit den Tom Pettys und Bruce Springsteens dieser Welt verglichen. Auch sein Lou-Reed-artiges Genuschel manifestiert diesen heroischen Vergleich und huldigt damit auf sehr sympathische Art und Weise seinen großen Vorbildern. Vile ist damit zwar kein Erfinder, aber ein guter Schüler. Er vermag es, den Sound der alten Männer in die Zeitlosigkeit zu übertragen, den Ballast der Geschichte abzuwerfen und seine eigene, kleine Nische zu finden.

Jedes der elf Kleinode startet mit einem warmen, süßlichen Rhythmus, der bis zum Ende anhält. Damit könnte man Viles Kompositionen Monotonie vorwerfen, so sehr ähneln sich die einzelnen Songs. Allerdings wird mit jedem weiteren Durchlauf offenbarer, wie geschickt und komplex Kurt Vile hier auf kleiner Spur arrangiert: Sas scheinbar einfach und zum größten Teil akustisch gehaltene Album mit psychedelischen Einflüssen oder auch verlangsamten Dream-Pop-Elementen legt mit anhaltender Dauer seinen Fokus auf traditionellen Folk und Blues. Auch (bewusst) verwischte Country-Anleihen lassen sich im Soundgefüge entziffern. Das spannendste Element von „Wakin On A Pretty Daze“ liegt aber darin, dass seine Kompositionen in ein Aquarium getaucht zu sein scheinen. Die offensichtliche Eingängigkeit wird anhaltend verwischt und neu geordnet – ein Wechselspiel zwischen Simplizität und Subtilität. Durch diese innere Spannung fühlt man sich gleichzeitig im Hier und Jetzt daheim und im selben Moment woanders, wie in einem Tagtraum.

„Wakin On A Pretty Daze“ ist ein zeitloser Klassiker, unbeschwert und erwachsen. Er schlägt elegant die Brücke zwischen dem Sound von alten Vorbildern und modernen Arrangements. Die Verehrung für Bruce Springsteen wird auch im aktuellen Video zur ersten Single „Wakin On A Pretty Day“ deutlich. Es zeigt dort den spröden wie herzlichen Charme von Kurt Viles Heimatstadt Philadelphia und steht damit in der Tradition des Springsteen-Klassikers „Streets Of Philadelphia“. Auch deshalb ist es logisch, dass der berühmte Streetart-Künstler Stephen Powers das Cover zum neuem Album entworfen hat. Dies entstand an einer Hauswand in Philadelphia und soll auch bald Wände in London, Los Angeles und New York bildgewaltig zieren – eine Ehre, die diesem zukünftigen Indie-Klassiker mehr als gebührt.

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Bonobo – „The North Borders“

VÖ: 29. März 2013
Web: bonobomusic.com
Label: Ninja Tune

Der Track „Cirrus“ schlug Ende Januar hohe Wellen. Der Vorbote zu Bonobos fünftem Album „The North Borders“ überraschte unter anderem wegen der vergleichsweise ungewöhnlichen Gestaltung im House-Gewand mit einer im Viervierteltakt stampfenden Bassdrum. Nun kommt Simon Greens neues Werk heraus, womit sich der Brite auch auf neues Terrain wagt.

Galt Bonobo zu Anfang seiner Karriere um das Jahr 2000 aufgrund seiner Arbeit mit langsamen Broken Beats und Samples aus Soul, Jazz und Rare Grooves als Downbeat-Pionier, so war er 2010 mit seinem Album „Black Sands“ zu einem Produzenten gereift, der sich offen für Einflüsse aus Clubmusik zeigte und Elemente aus UK-Garage oder Dubstep in seine Tracks integrierte. Neben rhythmischen Anlehnungen nutzte er auch Synths und elektronische Bässe und verwob sie mit akustisch klingenden Elementen und zunehmend selbst eingespielten Melodielinien. Gleichzeitig erfuhr Bonobos Musik durch die Vielseitigkeit der Beats eine gefühlte Beschleunigung, die bei „The North Borders“ in einer Annäherung an gegenwärtige Clubmusik kulminiert.

Mit dem Album übertritt der Wahl-New-Yorker souverän die Grenze zu tanzbarer Musik, ohne bemüht zu wirken oder den Anschein zu wecken, zwanghaft clubtaugliche Tracks produzieren zu wollen. Green stellt bei seinem neuesten Werk seinen charakteristisch warmen Klang gleichwertig neben neue Rhythmusstrukturen. Das tut seiner Musik gut, die statt der Langsamkeit die Schnelligkeit entdeckt und bei der aus dem Kontrast aus kraftvollen Beats und Melodien von Synthesizern, Streichern oder Harfen eine hohe klangliche Dichte entsteht.

Bonobo gelingt es mithilfe geschickter Arrangements, Emotionen hervorzurufen, die nie ins Extreme abdriften. Dem glasig-klackenden Garage-Beat von „Emkay“ wird ein warmer, aber kraftvoller Bass zur Seite gestellt, Streicher und Vocal-Samples harmonieren hervorragend mit der Rhythmusgruppe. Bonobo kombiniert wie bei „Don’t Wait“ immer wieder House-Beats mit harmonischer Dichte, sodass die Tracks weder ausschließlich im Club noch nur im Wohnzimmer zu Hause sind. Am forderndsten ist „Know You“, das mit seinem schnellen 2-Step-Beat und fast brutalem Bass die größte Nähe zu funktionaler Clubmusik zeigt. So schwellen die Spuren langsam an, bis es in der Mitte des Tracks zum Ausbruch kommt und nur noch die sehnenden Vocal-Samples, und der gallopierende Beat mit brachialer Bassdrum übrig bleibt.

Wie bei seinen letzten Alben lud Bonobo auch für sein neuestes Werk Gastsänger und -sängerinnen ein. Eine davon ist Szjerdene, deren Stimme sowohl „Transits“ als auch „Towers“ bereichert. Neben der Schwedin Cornelia, die mit ihrer sanften Stimme den schönen und entspannten Abschlusstrack „Pieces“ schmückt, hat Green auch mit bekannteren Namen wie Grey Reverend und Erykah Badu zusammengearbeitet. Ersterer ist auch als L.D. Brown und Mitglied des erweiterten Kreises des Cinematic Orchestra bekannt und erhöht noch den Ohrwurmcharakter des Eröffnungsstückes „First Fires“. Die Zusammenarbeit mit der Nu-Soul-Koryphäe Badu mündet in „Heaven For The Sinner“, das eine desto stärkere Wirkung entfaltet, je öfter man es hört.

Bonobo findet auf „The North Borders“ sowohl die Balance zwischen Instumentalstücken und Vocaltracks als auch zwischen Wohnzimmer und Club und erzählt eine Geschichte, die ihren roten Faden in der authentischen Emotionalität hat, die weit entfernt von Kitsch liegt.

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DJ Koze – „Amygdala“

VÖ: 22. März 2013
Web: pamparecords.com
Label: Pampa

Acht Jahre sind vergangen, seit DJ Koze die Welt das letzte Mal mit einem Soloalbum bedacht hat. In diesen acht Jahren blieb Koze der Musik keineswegs fern. Aufgrund seiner vielen Projekte konnte man eher den Eindruck gewinnen, dass dieser Mann hinter das Geheimnis des Klonens gekommen ist. Mit International Pony hat er ein zweites Album gemacht, unter dem Namen Adolf Noise eigene Musik veröffentlicht, einen debilen Spruch von Gunter Gabriel in einen Kulttrack verwandelt, das Label Pampa Records gegründet und unzählige Remixe angefertigt – unter anderem für die lebende Legende Matthew Herbert.

Jetzt kommt sein zweites Album mit eigenen Tracks: „Amygdala“. Der Name verweist weder auf einen Schmuckstein noch auf einen Urlaubsort am Mittelmeer. Koze geht dorthin, wo es wehtut: ins Hirn: Als Teil des limbischen Systems beschäftigt sich der Amygdala-Kern mit der Entstehung von Emotionen und Trieben. Er ist vor allem dazu da, uns an Situationen zu erinnern, in denen wir Angst empfunden haben. Wie passend, dass das Label Kompakt im Pressetext zu Kozes Album „Kosi Comes Around“ 2005 schrieb: „Angst ist immer berechtigt. Wer die Angst nicht kennt, kann sie auch nicht bekämpfen. Koze ist Angst-Experte. Und das macht ihn zur schlagkräftigsten Ein-Mann-Armee seit John Rambo.“

In diesem Sinne funktioniert auch „Amygdala“. Beklemmungen und Stress, Ade! Her mit den großen Gefühlen. Das Wort ist „Love“. Ein langgezogenes „Love“, wie man es Dirk von Lowtzow auf Track Nummer 5 singen hört. Sein Gesang wird mit einem Fetzen aus Marvin Gayes „Let’s Get It On“ versetzt. „We’re all sensitive people with so much to give“. DJ Koze hat sieben Künstlerinnen und Künstler zum Mitmachen eingeladen. Zusätzlich verwendet er in alter Remix-Manier eine Vielfalt von Samples. Diese werden ebenso wie die Gesangsspuren der Gäste zerstückelt, verzerrt und neu zusammengesetzt.

So zum Beispiel in „Don’t Lose My Mind“ und „Amygdala“. Diese beiden Songs wirken wie zwei Teile eines Ganzen. In Ersterem treffen Vocal-Ausschnitte auf schnippende Finger, einen sanften Bass und warme Tonfolgen, die scheinbar einer Gitarre entspringen. Der Titeltrack führt diese Stimmung dann mit einem soul-reichen Gesangssample und einer hellen, unaufdringlichen Synthie-Melodie weiter. Wie gemacht für die selige After-Hour im Halbschatten. In gleicher Manier das vorab veröffentlichte „Track ID Anyone?“, bei dem wohliges Geplucker auf die Stimme von Caribous Dan Snaith trifft.

Tanzmusik gibt es auf „Amygdala“ natürlich auch. Zum Beispiel in „My Plans“, eine der zwei Kollaborationen mit Matthew Dear. Oder in „Marylin Whirlwind“. Hier teilt der Synthie äußerst angenehme Töne aus, die sich nach und nach gegen den Stakkato-Beat durchsetzen, den Koze durch einen Verzerrer jagt.

Trotz aller Vielschichtigkeit, aller Verdrehungen und geschickt eingesetzten klanglichen Verhaspelungen klingt Kozes zweites Album homogen. Da ist das Stück Northern Soul, das mit einem Zwischenstopp bei Phats & Small von 1973 ins Jahr 2013 gereist und im Track „Magic Boy“ gelandet ist, ebenso zur richtigen Zeit am richtigen Ort wie die Stimme von Hildegard Knef, die von der Bassdrum sanft durch „Ich Schreib Dir Ein Buch“ getragen wird. Zur Beruhigung all jener, die sich „Amygdala“ zu Gemüte führen wollen und Risiken und Nebenwirkungen befürchten, wollen wir festhalten, dass Maestro Koze ausgesprochen verantwortungsbewusst mit unseren Ängsten umgeht. Er blendet sie einfach aus und gibt uns 13 Tracks an die Hand, mit denen sowohl Tage als auch Nächte ein ganzes Stück geschmeidiger werden.

Das ByteFM Album der Woche.

In den ByteFM-Magazin-Sendungen spielen wir täglich Musik aus unserem Album der Woche. Die ausführliche Hörprobe folgt am Freitag ab 13 Uhr in Neuland.

Unter allen Freunden von ByteFM verlosen wir einige Exemplare des Albums. Wer gewinnen möchte, schreibt eine E-Mail mit dem Betreff „DJ Koze“ und seiner/ihrer vollständigen Postanschrift an radio@byte.fm.

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