Neue Platten: Mount Kimbie – „Cold Spring Fault Less Youth“

Mount Kimbie – „Cold Spring Fault Less Youth“ (Warp)

9,0

Mount Kimbie – so könnte gut und gern eine farbenfrohe Welt mit nur bedingt fiesen Gegnern in Super Mario heißen. Die Musik von Dom Maker und Kai Campos weist zwar wenige Parallelen zu den Midi-Klängen des Spieles auf, hat aber einen ähnlich hohen Sympathiefaktor wie der italienische Klempner. Dennoch rührt der Name ihrer Band woandersher. Zu diesem wurden die beiden Briten durch ein Lied von Nick Drake („Kimbie“) und ein Album der Microphones („Mount Eerie“) inspiriert. Von Musikern also, die mit klassischem beziehungsweise Lo-Fi-Folk verbunden werden.

Diese Einflüsse finden sich strukturell auch in den Songs von Mount Kimbie wieder. Die Band wurde das ein oder andere Mal, wie auch ihr guter Freund James Blake, mit dem Label Post-Dubstep besehen. Der Begriff ist nicht genau definiert. Man könnte sagen, dass Post-Dubstep Elemente vom namengebenden Genre aufnimmt, beispielsweise Broken Beats und rhythmisch zerfaserte Bässe, aber dabei nicht nach Dance Music klingt.

Die Songs auf „Cold Spring Fault Less Youth“ passen gut in dieses Schema. Auf einer Tanzfläche kann man sie sich schwer vorstellen, dafür umso besser als Untermalung in ruhigen Räumen, seien sie privat oder öffentlich. Das Album besitzt viele helle Klänge, wenig Abgründiges. Hier und da klingt eine Spur mal nach Field Recordings aus einer leeren Fabrik („Sullen Ground“), doch dann tönt im nächsten Moment eine offene Synthie-Melodie auf, die die Aufmerksamkeit an sich reißt („Slow“). Warmes Gepluckere hört man auf vielen der Tracks, besonders angenehm klingt das bei „Home Recording“, dem ersten Stück, oder bei „So Many Times, So Many Ways“, auf dessen Bass-Spur Indie-Rock-Bands von London bis Los Angeles neidisch sein werden.

Das hat schon Pop-Qualitäten, mehr als Mount Kimbies Debüt „Crooks & Lovers“. Zwar sind die Strukturen der Stücke auf „Cold Spring Fault Less Youth“ komplex, doch sie wirken nie zerfasert. Es gibt irritierende Momente („Lie Near“), aber keine großflächige Verwirrung. Und: Stimmen nehmen eine bestimmende Rolle auf dem Album ein. Sogar die lakonischen Rap-Parts von Jungspund King Krule, die er für „You Took Your Time“ und „Meter, Pale, Tone“ aufgenommen hat, gehen teilweise in Gesang über. Die zwei Songs stechen dank dem Gastbeitrag besonders hervor und geben dem Album ein paar Ecken mehr.

Mount Kimbie meinen in Interviews zwar, dass sie keinen bestimmten Sound im Sinn haben, wenn sie gemeinsam an Tracks basteln, doch es ist schwer zu leugnen, dass ihr zweites Album ganz wunderbar an die Machart von „Crooks & Lovers“ anknüpft. Auf „Cold Spring Fault Less Youth“ verbinden Dom Maker und Kai Campos elektronische Musik äußerst geschickt mit Popstrukturen und schaffen damit vielschichtige, aber eingängige Songs mit hoher Halbwertszeit.

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Scout Niblett – „It’s Up To Emma“

VÖ: 24. Mai 2013
Web: scoutniblett.com
Label: Drag City

Wenn eine Künstlerin ihr neues Album mit den Zeilen „I think I‘m gonna buy me a gun, a nice little silver one / And in a crowd someday, you won‘t see it comin‘ anyway“ beginnt, kann man davon ausgehen, dass man es mit einer Platte der ernsteren Sorte zu tun haben wird. Doch mit genau diesen Worten verliert Scout Niblett sich in „Gun“ in von Eifersucht motivierten Mordplänen an einem verflossenen Liebhaber. Ohne Umschweife ist damit das Thema von „It‘s Up To Emma“ klar: Das Album ist eine Auseinandersetzung mit allen Aspekten der gescheiterten Liebe.

Emma „Scout“ Nibletts Vorliebe für minimalistische Arrangements wirkt dabei auf „It‘s Up To Emma“ noch songdienlicher als zuvor: Selten werden die Titel von mehr als einer dreckig angezerrten Gitarre und Drums begleitet; von Zeit zu Zeit mischen sich brüchige Streicher in die Arrangements. Diese Reduktion lässt Nibletts starke Stimme uneingeschränkt im Vordergrund stehen und schafft so Raum für ihren facettenreichen Gesang, der in kürzester Zeit vom leisem Flehen in energisches Schreien übergehen kann. Ihre Texte wirken wie ein Nachruf auf – mal vor längerer Zeit, mal gerade erst – beendete Beziehungen, in den sich alle dazugehörigen Gefühle mischen.

Das Hin- und Hergeworfensein zwischen Emotionen wie Wut und Trotz, Eifersucht, Sehnsucht, Hoffnung und schließlich auch Akzeptanz ist der zentrale Topos des Albums. Selbst ein zerbrechliches Cover des TLC-Klassikers „No Scrubs“, das Niblett im Duett mit Emil Amos eingesungen hat, fügt sich in seinem Wunsch nach Alleinsein und mit seinem lakonischen Gesang nahtlos ins Narrativ der Platte ein. Die Songs sind subjektiv, fast schon egozentrisch: Die Darstellung von Situationen nimmt ausschließlich die Ich-Position ein; aus dieser Perspektive werden Geschehnisse und Gefühle in den Songs geschildert. Das, und vor allem der Inhalt der Songs, macht „It’s Up To Emma“ sehr persönlich. Die Texte lassen spüren, dass es sich häufig um die Verarbeitung tatsächlicher Erlebnisse handelt, die hier Inspiration war.

In vielerlei Hinsicht ist „It’s Up To Emma“ ein nacktes, sehr intimes Album. Dass Emma Niblett ihren bürgerlichen Vornamen in den Titel nimmt, ist ein erstes Anzeichen dafür: Hier gibt es keine Künstlerpersönlichkeit, keine Fassade, um sich dahinter zu verstecken. Das Gleiche gilt für die brüchigen Arrangements und aufrichtigen Texte, die ihre Wirkung von der Mischung aus Identifikationspotential und beobachtender Faszination ziehen. Dass sie in Handschrift im Booklet notiert sind, unterstreicht nur noch mehr, was für einen tiefen Einblick man in die Persönlichkeit Nibletts zu haben scheint. Diese nahezu uneingeschränkte Offenheit und die ehrliche Darbietung verleihen „It’s Up To Emma“ seine Intensität.

Das ByteFM Album der Woche.

In den ByteFM-Magazin-Sendungen spielen wir täglich Musik aus unserem Album der Woche. Die ausführliche Hörprobe folgt am Freitag ab 13 Uhr in Neuland.

Unter allen Freunden von ByteFM verlosen wir einige Exemplare des Albums. Wer gewinnen möchte, schreibt eine E-Mail mit dem Betreff „Scout Niblett“ und seiner/ihrer vollständigen Postanschrift an radio@byte.fm.

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Wampire – „Curiosity“

VÖ: 17. Mai 2013
Web: wampiremusic.com
Label: Polyvinyl

In Klamotten, die wohl auch der größte Flohmarktjünger bestenfalls als Kuriosität durchgehen lassen würde, mit gelben Augen und blaugeschminkten Lippen präsentieren sich Rocky Tinder und Eric Phipps auf dem Cover des Debutalbums ihres Projekts Wampire. Umgeben von einem bunten Strudel aus Farben und Sternen lässt das Bild zusammen mit dem kuriosen Make-Up den Eindruck aufkommen, man könnte es mit dem Plakat für eine neue Crossover-Fernsehserie zu tun haben: Magnum meets Star Trek.

Wem diese Kombination gar zu absurd vorkommt, sollte Wampires Musik kennenlernen, denn auch dort vereinen Wampire so einiges an Gegensätzen. Aus der Musikszene von Portland, aus der Bands wie STRFKR und Unknown Mortal Orchestra hervorgegangen sind, stammend, wurde das Duo vom Label Polyvinyl gesigned, um das Album „Curiosity“ aufzunehmen. Produiziert wurde die Platte dabei von niemand geringerem als Jacob Portrait vom Unknown Mortal Orchestra. Mit diversen Song- und Soundfragmenten im Gepäck zogen Wampire ins Studio, wo sie diese assoziativ und häufig improvisiert zusammen mit Portrait zu Songs zusammensetzten. Diese freie Arbeitsweise spürt man auch beim Hören, denn entstanden ist dabei ein Album, das verschiedenste stilistische Einflüsse der letzten 50 Jahre Musikgeschichte in sich vereint.

Die im März veröffentlichte erste Single „The Hearse“, die das Album eröffnet, vereint Analogsynths, Farfisa-Orgel und Gitarren zu einer schimmernden Rocknummer, die sich in der Mitte mit einem sphärischen Break selbst unterbricht, um schließlich wieder in einen treibenden Rhythmus auszubrechen. Dass die B-Seite der Single ein Cover von Kraftwerks „Das Modell“ (in vorzeigbarem Deutsch!) ist, liefert einen Vorgeschmack auf die unterschiedlichsten musikalischen Einflüsse, die Wampire in ihren Songs verarbeiten. Der folgende Titel „Orchards“ präsentiert sich mit sanften Gitarrenarpeggien, gepfiffenen Melodien und sehnsuchtsvollem „Laa-Laa“-Refrain wie der Soundtrack zu einem Retro-Western. „Giants“ lässt Surfrock-Stimmung aufkommen, den Tracks „Trains“ beschreibt die Band selbst als „Motown meets Strokes“. Andernorts scheint Jean Michel Jarre auf Franz Ferdinand zu treffen. Immer wieder sind es Synthesizer mit 70er-Jahre-Einschlag und jaulende Orgeln, von denen die Songs zusammengehalten werden.

Auf den ersten Blick mag das Album zunächst wie eine schlichte Collage aus Retro-Pop erscheinen. Dahinter steht jedoch mehr, denn trotz aller Genrezitate schaffen Wampire es, ihre zahlreichen Inspirationen geschickt miteinander zu einem eigenen Stil zu verbinden. Das macht „Curiosity“ zu einem Schmelztiegel aus Einflüssen, denen das Duo seinen eigenen Stempel aufdrückt und der von genau diesem Verhältnis zwischen Zitat und eigener musikalischer Aussage lebt.

Das ByteFM Album der Woche.

In den ByteFM-Magazin-Sendungen spielen wir täglich Musik aus unserem Album der Woche. Die ausführliche Hörprobe folgt am Freitag ab 13 Uhr in Neuland.

Unter allen Freunden von ByteFM verlosen wir einige Exemplare des Albums. Wer gewinnen möchte, schreibt eine E-Mail mit dem Betreff „Wampire“ und seiner/ihrer vollständigen Postanschrift an radio@byte.fm.

Label: Polyvinyl | Kaufen

Neue Platten: Four Tet – „Rounds“

Four Tet – „Rounds“ (Domino)

8,8

Kieran Hebden aka Four Tet ist Poesie für die Ohren. Über Four Tet zu schreiben, seine Musik gar definieren zu wollen, heißt, sie in Ketten zu legen, sie in der Tinte der Worte ertrinken zu lassen. Es ist dennoch einen Versuch wert, sich dem musikalischen Genie mit Worten zu nähern.

Im Jahre 2003 veröffentlichte der Künstler sein drittes und episches Album „Rounds“, mit welchem ihm der Durchbruch gelang. Die Presse überschlug sich mit Lobpreisungen und führte so zu dem Schlüsselmoment in Hebdens junger Musikkarriere. Zehn Jahre später veröffentlicht er nun selbiges Album erneut auf Domino. Als zusätzliches Bonbon gibt es eine CD mit einer Aufnahme einer Show in Kopenhagen um 2003.

„Rounds“ ist, wie der Titel schon preisgibt, eine runde Sache. Hebden erschafft durch Zusammenfügen vieler Einzelteile ein Gesamtkunstwerk. Wir lauschen einem rhythmischen Fluß, der uns behutsam und ohne Eile in den Bann zieht. Ohne Hektik bewegen wir uns durch teils fließende, mal stockende Töne. Dabei konstruiert Four Tet eine Komposition, in der wir auf melodische Klänge, aber auch ächzende, krächzende, knisternde und knatternde Geräusche treffen. Es entsteht ein Sound, der beim ersten Hören vielleicht abstößt, zugleich aber auf wundersame Weise stimuliert und fesselt. Wie das Leben ist Four Tet verwirrend und manchmal, in einem anderen Moment, erkennen wir uns selbst in seiner Musik und alles ergibt einen Sinn. Er vereint, was scheinbar nicht zu vereinen ist, und schafft eine Harmonie. „Rounds“ ist ein Album zum Träumen, zum Sich-in-der-Zeit-verlieren, aber auch zum Erwachen und Sich-Wiederfinden.

Die Musik entdeckte Kieran Hebden bereits in seiner Zeit an der Elliott School in London für sich. Das verwundert nicht, gingen doch von dieser Schule andere große Talente wie Burial und The xx ab. Zu seiner Schulzeit war Hebden noch Mitglied der Band Fridge, die er mit zwei seiner Klassenkameraden gründete. Hebden war 15 Jahre alt, als er mit Fridge seinen ersten Vertrag unterzeichnete.

Später hat sich Hebden in seiner Musikkarriere als Four Tet neu erfunden. Wer ihn kennt, weiß, dass jede einzelne Platte von neuen Einflüssen bestimmt ist. Stillstand ist für den jungen Künstler ein Fremdwort. Wirkten auf dem ersten Album „Dialogue“ (1999) noch wesentliche Einflüssen des Free Jazz gepaart mit vielen HipHop-Drum-Lines auf ihn ein, so war das zweite Album „Pause“ (2001) inspiriert von American R ’n’ B, Garage und 2-Step. Heute tourt Four Tet häufig als DJ durch Clubs und spielt dabei tanzbare Sounds. Zuletzt erschien sein Album „0181″ (2013), eine Kompilation bisher nicht veröffentlichter Songs aus den Jahren 1997 bis 2001. Es scheint, als wolle der Künstler zurück zu seinen Wurzeln, seinen ersten Erfolgen. Es ist ein „Zurück“, das seine Fans begrüßen. Four Tets Stärke liegt in der den Klängen mitschwingenden Emotionalität, in dem Spiel mit den unerwarteten Geräuschen und der stimmungsgeladenen Atmosphäre.

Kieran Hebdens treuestes Instrument ist sein Computer. Einzig mithilfe seines DAT-Rekorders und der Hi-Fi-Anlage nahm er viele seiner Alben in seiner Wohnung in London auf. Das Ergebnis sind experimentelle Sounds, mit welchen die Hörer auf eine Reise in ihr Innerstes geschickt werden. Four Tets Klang ist einzigartig. Er folgt keinem Muster und doch erkennt man stets seinen eigenen Sound. Dieser Künstler ist ein Freigeist, dessen Musik sich zwischen Intimität und endloser Ferne bewegt.

Der Spannungsbogen bei „Rounds“ beginnt sogleich mit den ersten Tönen. Wer zunächst nur ein Rauschen hört, bemerkt spätestens beim zweiten Hinhören eine weitere Komponente: einen schnellen Herzschlag. In einem Interview verriet der Künstler, dass der Beginn von „Hands“ tatsächlich aus der Aufnahme eines Herzschlags besteht, und zwar dem eines Hundes. Hebden scheut nicht davor uns schon zu Beginn mit einer Komplexität zu konfrontieren, bei der eine Vielzahl von Geräuschen und Klängen auf uns einprasselt. Man tastet sich heran, Ton für Ton. Versuchte man zunächst, die einzelnen Komponenten zu erfassen, geht es später vielmehr um das Gesamte, einer irren Klangwelt ohne Grenzen. Das Centrepiece bildet „Unspoken“. Drums, ein Tamburin und bizarre Geräusche werden von einem Piano mit herzzerreißender Melodie begleitet. Es sind neuneinhalb Minuten der Glückseligkeit und des Schmerzes, ein Stück, das Paradoxien zu vereinen weiß. Das Album endet mit dem Lied „Slow Jam“. Der Titel hält, was er verspricht und lässt uns ruhig werden. Die Harfenklänge geben uns Zeit, aus den Tiefen des Albums aufzutauchen. Mit dem letzten Flimmern und Piepen erwachen wir. Und sogleich stellt sich das Bedürfnis ein, den „Play“-Button erneut zu drücken und wieder in die fremde und doch so vertraute Welt von Four Tet einzutauchen.

„Rounds“ ist zeitlos. Selbst zehn Jahre nach der Erstveröffentlichung haben die sanften und melodischen Klänge dieselbe Wirkung. Eingefleischte Four-Tet-Fans sind vermutlich schon im Besitz dieses großartigen Albums. Weil es aber über diesen langen Zeitraum in Vergessenheit geraten sein könnte, ist eine Wiederveröffentlichung genau eines, und zwar allerhöchste Zeit. Für all diejenigen, die erst kürzlich auf ihn aufmerksam wurden, ist es die Möglichkeit auch Four Tets ruhigere Sounds für sich zu entdecken. Für die alten Hasen ist es nicht nur ein netter, sondern auch nötiger Reminder.

Label: Domino | Kaufen

Neue Platten: Phoenix – „Bankrupt!“

Phoenix – „Bankrupt!“ (Warner)

6,0

Da ist es, das langersehnte fünfte Album der Franzosen von Phoenix. Ganze vier Jahre sind seit dem von Kritikern gefeierten Vorgänger „Wolfgang Amadeus Phoenix“ vergangen und gespannt wartete die Musikwelt auf einen ebenso grandiosen Nachfolger. Im schlichten Pfirsichgewand steht die Platte jetzt endlich auch bei uns in den Verkaufsregalen und hat neben dem fragwürdigen Cover-Design eine ganze Menge Synthie-Pop zu bieten.

Nach der Ankündigung, „Bankrupt!“ käme eine ganze Ecke experimenteller daher als alles zuvor Gewesene, stieg die Spannung: Was zaubern die vier Musiker diesmal auf ihren Tonträger? Experimentell ist dabei wohl die neue Band-Policy: Synthies rauf, Gitarren runter. Thomas Mars, Christian Mazzalai, Laurent Brancowitz und Deck d’Arcy haben mit „Bankrupt!“ den „Wolfgang-Amadeus-Phoenix“-Kurs weiterverfolgt und erweitert.

Diverse asiatisch anmutende Song-Elemente und auffallend betonter Vintage-Synthie-Einsatz erinnern an den Pop der 80er-Jahre. Auf der ersten Singleauskopplung „Entertainment“ schlägt einem David Bowies „China Girl“ entgegen und auch sonst ist ein Großteil der Songs mit einem seltsamen orientalischen Gimmick bestückt worden, bei manchen funktioniert das allerdings besser als in „Entertainment“. So zum Beispiel in „The Real Thing“ und „Trying To Be Cool“. Auch der epische, melancholische und hauptsächlich instrumentale Song in der Album-Mitte fehlt nicht. Auf „It’s Never Been Like That“ war es „North“, „Wolfgang Amadeus Phoenix“ präsentierte ihn uns zweiteilig mit „Love Like A Sunset“ und auf „Bankrupt!“ trägt er als fünfter Track den Namen des Albums. Tatsächlich schafft der Song am ehesten Atmosphäre und weckt Gefühl.

Gleich im darauffolgenden „Drakkar Noir“ wird allerdings wieder der orientalische Jingle laut und verscheucht den kleinen Emotionsanstoß. Dazu singt Thomas Mars euphorisch die Zeilen „[…] in the jangle jungle, jingle junkie, juggle juggle me […]“, wie passend. Bekanntermaßen setzen Phoenix ja gerne mal verrückt Wörter und Sätze aneinander, die nicht immer Sinn ergeben, aber hier wird das dann doch etwas albern. Wenigstens passen die Wörter zur Melodie und machen damit aus „Drakkar Noir“ einen Pop-Song, der gute Laune verspricht, für jene, denen die ausgefallene Synthie-Pop-Umsetzung gefällt. Der nächste, sehr gelungene Song „Chloroform“ lässt die Stimmung wieder etwas ruhiger und entspannter werden. Mit dem langsamen, stetigen Grundbeat hat er fast schon eine Art Zeitlupen-Charakter. Songpassagen wie „I don’t like it if you miss me, why would I long for you?“ und der Refrain „My love, my love, my love is – Cruel“ vervollständigen das melancholische Gesamtpaket. „Bourgeois“ ist ebenfalls ruhiger als der Rest des Albums und etwas melancholisch angehaucht, während der darauffolgende und letzte Track „Oblique City“ wieder zum Tanzen einlädt. Ein guter Abschluss-Song für die Platte.

Mit „Bankrupt!“ stellen Phoenix ein gut gemachtes und spezielles Album vor. Bei jedem Hören fällt einem wieder etwas Neues an den Songs auf. Insgesamt hätte man sich den asiatischen Jingle aber sparen können und auch der dominante Synthie-Einsatz wird bei einigen Songs anstrengend. Vielleicht hätten ein paar mehr Gitarrenklänge „Bankrupt!“ besser gestanden.

Label: Warner | Kaufen

Bibio – „Silver Wilkinson“

VÖ: 10. Mai 2013
Web: mrbibio.tumblr.com
Label: Warp

Bereits im April veröffentlichte der englische Produzent Bibio, der mit bürgerlichem Namen Stephen Wilkinson heißt, den Orhwurm „À tout à l’heure“ als Vorabsingle zum kommenden Album. Nun erscheint „Silver Wilkinson“, so der Titel der neuen LP, am 10. Mai und lädt ein, sich in hervorragendem Dreampop fallen zu lassen.

Schon der Opener „The First Daffodils“ setzt die Stimmung für das Album: Eine sanfte Akustikgitarre und Synthie-Arpeggios weben zusammen mit warmen Streicherflächen ein schlichtes, aber charmantes Klanggeflecht. Dabei kommt der Track ganz ohne Gesang aus. Überhaupt ist „Silver Wilkinson“ Bibio-typisch kein Album der großen Worte. Gesang – wenn vorhanden – wird meist mehr als Klangfarbe verwendet denn als inhaltliches Medium. Meist sind die Vocals sehr zurückhaltend und nehmen nie zu viel Raum im Arrangement ein.

Umso mehr spielt das Album mit Klangelementen. Gekonnt vermischt Bibio elektronische wie akustische Soundtexturen so geschickt zu organischen Klangwelten, dass sich nur schwer ausmachen lässt, was da gerade warum so gut klingt. Immer ergeben Gitarren, E-Pianos, Samples und Synthesizer sowie der – wenn vorhanden – meist angenehm vom Geltungsbedürfnis befreite Gesang ein homogenes Ganzes. Obwohl die Songs aus einer Vielzahl von Schichten und Samples bestehen, ist da nie zu viel, nichts, was davon ablenkt, sich in der Musik zu verlieren. Von den tanzbaren Grooves des Vorgängers „Mind Bokeh“ ist nicht mehr viel zu spüren. „Silver Wilkinson“ ist mehr ein Vorstoß in clevere Ambient-Sounds und das Erforschen filigraner Klangcollagen. Wirkte „Mind Bokeh“ stellenweise experimentell und verspielt, gleingt Bibio mit „Silver Wilkinson“ eine von Anfang bis Ende runde LP. Mehr denn je wirkt das Album als ein einziges zusammenhängendes Stück.

„Silver Wilkinson“ ist Musik in Pastellfarben, eine Klangreise in Welten, in denen alles harmonisch ist. Hier geht es um das Eintauchen in die Tiefen von Stephen Wilkinsons hervorragend produzierten Soundschichten, in denen man auch nach mehrmaligem Hören immer noch Neues entdeckt. Nach knapp 50 Minuten mit den letzten Tönen von „You Won’t Remember…“ in die Realität entlassen, kommt man nicht umher, sich kurz die Augen zu reiben, denn Bibio ist mit „Silver Wilkinson“ ein äußerst stimmungsvolles Album gelungen, dem man die Leidenschaft zu Klängen in jedem Track anmerkt.

Das ByteFM Album der Woche.

In den ByteFM-Magazin-Sendungen spielen wir täglich Musik aus unserem Album der Woche. Die ausführliche Hörprobe folgt am Freitag ab 13 Uhr in Neuland.

Unter allen Freunden von ByteFM verlosen wir einige Exemplare des Albums. Wer gewinnen möchte, schreibt eine E-Mail mit dem Betreff „Bibio“ und seiner/ihrer vollständigen Postanschrift an radio@byte.fm.

Label: Warp | Kaufen

Neue Platten: Deerhunter – „Monomania“

Deerhunter – „Monomania“ (4AD)

5,5

Was kann man von einem Album erwarten, an dessen Entstehung eine Nebelmaschine beteiligt war? Classic-Rock-Salven oder gar Stakkato-Techno? Nichts dergleichen gibt es auf „Monomania“ zu hören. Dennoch taucht solch ein Gerät in den Credits des Albums auf, zuständig dafür war Sänger Bradford Cox. Womöglich hat er die Maschine dazu benutzt, die Sichtweite im Studio so weit zu verringern, dass die einzelnen Bandmitglieder nicht mehr sehen konnten, wie alles genau verkabelt war. Der Sound von „Monomania“ lässt das vermuten, auf jedem zweiten Track erklingt eine übersteuerte Spur.

Deerhunter sind als Band bekannt, die harmoniereiche Songs gern mal in tiefste Tiefen führt und hübsch glänzende Melodien kurzum verdreht und zerhackt. Die sich aber auch nur einem der beiden Pole widmen kann. Ihr letztes Album „Halcyon Digest“ bewegte sich auf der helleren Seite und erinnerte an den leicht vertrackten Dream Pop von Bands wie Beach House oder Broadcast. Beim Hören von „Monomania“ beschleicht einen hingegen das Gefühl, dass Deerhunter genug von all der Seichtheit haben, lieber Ärger und Klage vertonen wollen.

In der Tat könnte man denken, es handle sich hier um Musiker, die der jugendlichen Verzweiflung noch ganz nah sind. Die Verstärker röhren, die Gitarren kreischen und über all dem liegt die eindringliche Stimme von Bradford Cox, einmal durchs Verzerrer-Pedal gejagt. Sein Gesang kann mal äußerst rotzig klingen („Dream Captain“) oder krächzend einen auf „Talking Blues“ machen („Pensacola“). Er kann aber auch Zurückhaltung. Deerhunter haben einige Lieder mit einer leichten Instrumentierung versehen, zum Beispiel „The Missing“ und „Nitebike“, doch als leichte Kost kann man auch die nicht beschreiben. Immer schwingt eine Prise Tristesse oder Anspannung auf „Monomania“ mit.

Leider hat das zur Folge, dass keiner der Albumtracks wirklich ausgetüftelt ist. „Back To The Middle“ etwa – ein Stück, das schon vorher zu hören war – schlägt stimmungstechnisch die Brücke zu Feelgood-Pop aus den 60ern, dümpelt dann aber doch nur zwischen harmonisch angeschlagen Gitarrensaiten herum. Und dreckig verzerrte Songs wie „Monomania“ oder „Leather Jacket II“ überraschen Ohren, die sich über die letzten Jahre an Noise Pop gewöhnt haben, auch nicht mehr wirklich.

Das Album kokettiert mit der Monotonie – kaum einer der zwölf Songs kommt ohne Rauschen, Zerren, Kreischen aus. Das funktioniert sicher gut im Jugendzimmer, verliert auf eine Dreiviertelstunde aber trotz einiger bezaubernder Melodien („The Missing“) seinen Reiz. Was Hoffnung bereitet: In Vorbereitung auf die Arbeit am neuen Album haben Deerhunter an die 600 Demos von Bradford Cox gesichtet. Es könnte also sein, dass sich die Band bei all den Auswahlmöglichkeiten einfach nur vergriffen hat und der nächste musikalische Wurf ein größerer wird.

Label: 4AD | Kaufen

Ghostpoet – „Some Say I So I Say Light“

VÖ: 3. Mai 2013
Web: ghostpoet.co.uk
Label: Play It Again Sam

Mit dem klangvoll betitelten „Peanut Butter Blues & Melancholy Jam“ stellte Obaro Ejimiwe alias Ghostpoet 2011 ein beeindruckend ausgereiftes Debutalbum vor. Gute zwei Jahre später erscheint nun seine zweite LP, die den Titel „Some Say I So I Say Light“ trägt.

Bereits im Februar veröffentlichte Ghostpoet die Vorabsingle „MSI musmiD“ als Download. Deren Text basiert laut Ejimiwe auf einem Traum, in dem Dim Sum und Nudeln befreundet sind und dennoch in Streit geraten – ein denkbar kurioses Thema für einen Songtext. Dennoch zeigt sich darin wie Ghostpoet Alltägliches mit Düsterem verbindet und Profanes in ein Spannungsverhältnis mit Surrealem setzt. Ob es nun Konflikte zwischen Speisen sind, innere Stimmen, die einem beim Warten auf den Zug einholen, oder die Befürchtung, zu viel Geld beim Onlineshopping auszugeben: Immer wieder schafft Obaro Ejimiwe es, kleine Alltagssituationen mit einem dunklen, teilweise bedrohlichen Unwohlsein zu belegen.

Die in den Texten erzeugte Atmosphäre spiegelt sich in der vielseitigen Musik wider. Während „Peanut Butter Blues & Melancholy Jam“ als Eigenproduktion im Schlafzimmer entstanden ist, hatte Ghostpoet für sein neues Album Richard Formby als Produzenten im Studio zur Seite. Mit ihm sind Arrangements und Sounds entstanden, die mehr in die Tiefe gehen und beachtlichen Sinn für Details haben. Stilistisch oszillieren Ghostpoets Songs irgendwo zwischen Hip-Hop, Trip-Hop und dem weiten Feld, das in Ermangelung eines besseren Begriffs meist als „Alternative“ bezeichnet wird. Dunkle Synthie-Flächen treffen auf industrielle Beats, während hypnotische E-Piano-Patterns und fragile Drum-Fills entfernte Jazz-Assoziationen hervorrufen. Gegenüberstellung ist auch hier ein Thema in der Musik von Ghostpoet, beispielsweise wenn das als finstere Downtempo-Nummer beginnende „Comatose“ ohne Vorwarnung in 8-Bit Arpeggios mit Streichquartett im Hintergrund ausbricht. Im Opener „Cold Win“ sind es verfremdete Bläserpassagen, die wie ein Wespenschwarm in den geradlinigen Songverlauf einfallen und ihn damit zu einem abrupten Ende bringen.

Über diesen vielseitigen Sounds schweben Ghostpoets Vocals zwischen Sprechgesang und Gesangsmelodien. Mal fester, mal zurückhaltender hat Obaro Ejimiwes Stimme stets etwas Zerbrechliches in sich, mit dem er seinem Alter Ego, dem „Geisterpoeten“, gerecht wird. Die Art, wie er mit brüchiger Stimme die letzten Wortsilben abreißen lässt, gibt dem Gesang seine geisterhafte, ephemere Qualität, die die stets präsente Introspektion in Ghostpoets Musik betont. Sein zweites Album zelebriert dieses in sich versunken Sein und die Gedanken, die damit einhergehen. Diese facettenreich ausgedrückte Mitternachtsstimmung macht „Some Say I So I Say Light“ zum Album, das einlädt, an dieser Beochbachtung des Selbst teilzuhaben.

Das ByteFM Album der Woche.

In den ByteFM-Magazin-Sendungen spielen wir täglich Musik aus unserem Album der Woche. Die ausführliche Hörprobe folgt am Freitag ab 13 Uhr in Neuland.

Unter allen Freunden von ByteFM verlosen wir einige Exemplare des Albums. Wer gewinnen möchte, schreibt eine E-Mail mit dem Betreff „Ghostpoet“ und seiner/ihrer vollständigen Postanschrift an radio@byte.fm.

Label: Play It Again Sam | Kaufen

Neue Platten: !!! – „Thr!!!er“

!!! – „Thr!!!er“ (Warp)

6,5

Es gibt wahrlich schon genug Bands, bei deren Namen man sich nie ganz sicher ist, wie sie denn nun ausgesprochen werden. Abwechslungsreich ist es da, wenn Musiker der Allgemeinheit einfach drei Ausrufezeichen entgegenwerfen und dem Hörer überlassen, wie er oder sie das nun aussprechen möchte. !!! kann für fast alles stehen, solange es drei wiederholte, einsilbige Laute ergibt. Wer sich also dem von der Band bevorzugtem „Chk Chk Chk“ widersetzen möchte, sage doch einfach „Bom Bom Bom“ oder „Tak Tak Tak“. Bei der Bandtaufe wurden die Jungs von den Untertiteln des Films „The Gods Must Be Crazy“ inspiriert, in denen Klick- und Schnalzlaute der afrikanischen Khoisan-Sprachen mit Ausrufezeichen dargestellt werden.

!!! fanden 1996 in Sacramento, Kalifornien, zusammen. Die Mitglieder stammten aus verschiedenen lokalen Bands wie The Yah Mos, Black Liquorice und Pope Smashers. Das gemeinsame Ziel war tanzbare oder tanzbarere Musik zu machen. Schnell wuchs die Ur-Besetzung auf acht Mitglieder an: Tyler Pope und Mario Andreoni an der Gitarre, Justin van der Volgen am Bass, Dan Gorman an der Trompete, Allan Wilson am Saxofon, John Pugh am Schlagzeug, Jason Racine an der Percussion und Nic Offer als Stimme von !!!. Von acht Gründungsmitgliedern spielen nur noch Offer, Andreoni, Gorman und Wilson bei Chk Chk Chk. Berühmt sind sie vor allem für ihre dynamischen und tanzintensiven Live-Auftritte. Seit 1996 sind vier Alben der Dance-Punk-Crew erschienen, dieses Jahr folgt mit „Thr!!!er“ das fünfte.

Unterstützung gab es beim neuen Studioalbum von Jim Eno, seines Zeichens Schlagzeuger bei Spoon. Er war es auch, der !!! dazu anhielt, von dem Versuch wegzukommen, ihre energiegeladenen Liveshows auf Platte manifestieren zu wollen. Die eingefahrene Studioatmosphäre sollte aufgebrochen werden, stattdessen bitte mehr Spontaneität, Experimentierfreude und Dynamik. Gleichzeitig wird sich mehr auf das Wesentliche konzentriert, alles Ãœberflüssige musste weg, textlich sowie instrumental. Gitarrist Andreoni sagt dazu: „Jim hat uns regelrecht dazu gezwungen, noch mehr auf den Punkt zu kommen.“ Zum ersten Mal gingen die Jungs mit einem Plan ins Studio, die Rohfassungen der Songs standen schon vor der Aufnahme. Eine Neuerung für Chk Chk Chk; die über mehrere US-Bundestaaten verteilte Band traf sich bei den letzten Alben erst im Studio und entwickelte die Song-Ideen dort bei gemeinsamen Jamsessions.

Man hört dem Album an, dass !!! ihren Sound verändern beziehungsweise erweitern wollten, Jim Eno hat ganze Arbeit geleistet, die Songs haben eine eingängige, schlichte Grundstruktur ohne viel Schnickschnack. Der funkige Disco-Sound bleibt erhalten und wirkt in der abgespeckten Version viel stringenter und durchdringender. Ob man will oder nicht, beim Hören der Platte fängt der Körper automatisch zu wippen an.

Der erste Track „Even When The Water’s Cold“ eröffnet das Album mit eingängigem Indie-Sound und durchdringenden Gitarrenklängen. Im Gegensatz dazu steht die erste Single und das Herzstück von „Thr!!!er“: „Slyd“ hebt sich stark vom Rest des Albums ab. Ein guter, tanzbarer Clubsong, aber viel elektronischer als die restlichen acht Tracks und nicht repräsentativ für das Album. Mit „One Girl/One Boy“ schaffen !!! mit weiblicher Vocal-Unterstützung den perfekten Gute-Laune-Funk-Pop-Love-Song für den Sommer. Der Song treibt sofort die Tanzbeine an, ist dabei aber fast schon wieder zu kitschig. Das wird mit dem darauffolgenden Track „Fine Fine Fine“ wieder ein wenig ausgeglichen: Die Stimmung des Songs ist düsterer, wozu wohl auch die tieferen Gesangparts von Offer und Cohen beitragen.

„Except Death“ ist die perfekte Mischung aus treibendem Elektro-Beat und Funk-Gitarre, beim Gesang holt sich Nic Offer wieder weibliche Unterstützung, was dem Song die gewisse Power verleiht. Chk Chk Chk lassen „Thr!!!er“ mit „Station (Meet Me At The)“ ausklingen. Ein Indierock-Song der zusammen mit „Even When The Water’s Cold“ einen abgestimmten Rahmen für das Album bildet, während zwischen den beiden Tracks eine bunte Palette von Songs zusammengewürfelt ist.

Insgesamt ist „Thr!!!er“ ein tanzbares und abwechslungsreiches Album, das einem gute Laune macht und den Sommer herbeibeschwört. Besonders originell oder anspruchsvoll ist es dabei nicht, die Klänge gehen sofort ins Ohr, man braucht kein zweites Mal hinzuhören. Die Songs sind klar, auf den Punkt gebracht und erfüllen ihren Zweck: Sie regen zum Tanzen und Feiern an.

Label: Warp | Kaufen

Neue Platten: Chuckamuck – „Jiles“

Chuckamuck – „Jiles“ (Staatsakt)

7,5

Mit ihrem zweiten Album macht die ehemalige Schülerband aus Berlin ein Versprechen, das sie schon mit ihrem Debüt „Wild For Adventure“ gemacht hat. Es ist dasselbe, das gute Rockbands schon immer gemacht haben: das Versprechen von Jugend. „Der Jugend wird seit langem die Aufgabe zugewiesen, die Zukunft zu repräsentieren“, schreibt Jon Savage in seinem Buch „Teenage“. Und Chuckamuck verheißen für die Zukunft Exzess, Konsum ohne Reue und Sommerferien für immer. Die Welt ist voller Abenteuer, solange „Der Laden an der Ecke“ offen hat, und das Mädchen, das man beim Trampen kennenlernt, ist sowieso interessanter als der Sitznachbar bei der nächsten Bahnfahrt.

In dem Song „Hitchhike“ heißt das romantische Jugend-Ideal Holland-Urlaub mit Bungalow, Achterbahnfahrt und Kinobesuch. In „Karl Egal“ ist es das Glück, genug weiche Drogen zu haben, dass auch wirklich alle dicht werden. „Hallo Wendy, trink mal Brandy, frag nicht Sandy, kein Martini, nimm den Whisky-y!“, heißt es da. Oder an anderer Stelle: „Hi, wir sind high, da kommt ein Hai durch den Raum geflogen – und alle sagen wow.“ Reim dich oder ich fress dich, und außerdem: scheiß drauf. Chuckamuck praktizieren sozusagen Anti-Könnertum in Reinkultur.

Hatte man es beim Debüt noch mit Heldenverehrung auf dem Gebiet der Musik („Gestern traf ich Dan Tracey“) und der Schokoriegel („Mars Mandel“) zu tun, singen Chuckamuck nun über die Protagonisten der Sci-Fi-Serie „Akte X“ und tragische Figuren wie „Bill McGrill“ und „Jeanie Reynolds“ (angeblich ist nicht die Soul-Sängerin gemeint). Musikalisch stehen noch immer die Black Lips und King Khan Pate. Zum Garagenrock gesellen sich indes Schrammel-Country, Dub- („War Was“) und Mariachi-Einflüsse („Laufe Laufe“). Und Pankow wird zunehmend ein Teil von Atlanta, Georgia.

Das Versprechen, das Chuckamuck machen, ist ein Versprechen von Jugend als Zukunft und nicht als Vergangenheit. Die Jugend ist ein Club, du brauchst nur eine Menge Zigaretten und Bier, dann kannst du mitmachen. Für all diejenigen, die die Gitarre nicht selbst kaputtmachen wollen, wird das Ganze hier nochmal stellvertretend ausgelebt und das ist immerhin unterhaltsam.

Label: Staatsakt | Kaufen

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