Die ByteFM Charts KW 44

Die am meisten gespielten Platten bei ByteFM in den vergangenen zwei Wochen. Feist schafft es in der vierten Woche auf die Eins unserer Charts. My Brightest Diamond klettert auf Platz zwei und als höchster Neueinsteiger belegt M83 den dritten Platz der ByteFM Albumcharts.

Modeselektor erobern in den Trackcharts den ersten Platz in dieser Woche. Jens Lekman kommt nochmal zurück und erklimmt aus dem Stand Platz 2. Das dritte Treppchen der Trackcharts geht an The Drums, die nochmal um 4 Plätze steigen.

Die Albumcharts (Platzierungen der Vorwoche)

1. Feist – Metals (5)
2. My Brightest Diamond – All Things Will Unwind (4)
3. M83 – Hurry Up, We’re Dreaming (neu)
4. Modeselektor – Monkeytown (3)
5. Rustie – Glass Swords (2)
6. DJ Shadow – The Less You Know, The Better (1)
7. Björk – Biophilia (7)
8. Robot Koch – The Other Side (8)
9. Emika – Emika (12)
10. Nils Frahm – Felt (9)
11. Buraka Som Sistema – Komba (neu)
12. DJ Cam – Seven (neu)
13. Givers – In Light (10)
14. Mirel Wagner – Mirel Wagner (neu)
15. Martyn – Ghost People (neu)

Die Trackcharts (Platzierungen der Vorwoche)

1. Modeselektor – Blue Clouds (3)
2. Jens Lekman – An Argument With Myself (-)
3. The Drums – Money (7)
4. Neon Indian – Polish Girl (1)
5. Planningtorock – The Breaks (2)
6. Kate Bush – Running Up That Hill (neu)
7. Emika – Professional Loving (8)
8. Yoko Duo – Half Awake (neu)
9. Rustie – Flash Back (4)
10. My Brightest Diamond – Ding Dang (14)
11. M83 – Midnight City (6)
12. Feist – The Bad In Each Other (neu)
13. Givers – Up Up Up (13)
14. Mirel Wagner – No Death (neu)
15. Real Estate – Green Aisles (neu)

Tickets für Chilly Gonzales

Flickr | gdpreston | (CC BY-NC-SA 2.0)

ByteFM präsentiert den Gott des Pianos, den Gott des Rap, den Gott des charmanten Größenwahns: Chilly Gonzales. „The musical genius“ gibt sich am 04.11. im Konzerthaus Dortmund die Ehre und wir verlosen exklusiv für Mitglieder unseres Fördervereins „Freunde von ByteFM“ 1×2 Karten für das Spektakel, über das noch Generationen nach uns sprechen werden.

Wenn Ihr gewinnen wollt, schreibt uns einfach bis zum 03.11. eine Mail mit dem Betreff „Ondaatje“ und Eurem Vor- und Zunamen an verlosungen@byte.fm. Den Gewinner benachrichtigen wir rechtzeitig per Mail.
Ihr seid noch kein Mitglied in unserem Förderverein? Hier erfahrt Ihr, wie Ihr ByteFM unterstützen und die Vorteile genießen könnt, die das mit sich bringt.

04.11.2011 Dortmund – Konzerthaus

Tori Amos im Interview

Victor de Mello / Deutsche Grammophon

Ihr aktuelles Album „Night of Hunters“ begreift Tori Amos als Liederzyklus im Schubertschen Sinne. Mit keltischer Mythologie erzählt sie darin vom tragischen Ende einer Liebesbeziehung. Als Vorlage eigener Kompositionen dienen ihr bekannte Themen aus der Klassik – von Chopin, Mussorgsky bis zu Debussy. Wie nähert sich eine Musikerin, die über Jahrzehnte mit einer Band gespielt hat, der Klassik?

An erster Stelle steht bei mir das Gehör. Meine Mutter sagt, dass ich, als ich mit zweieinhalb Jahren anfing Klavier zu spielen, nur nach Gehör gespielt habe. Und manchmal verlasse ich mich etwas zu sehr auf meine Ohren. Für dieses Projekt besorgte ich mir deshalb das Notenmaterial und hörte mir Aufnahmen der Stücke an, um die Themen umformen zu können. Wenn dann diese Schubert-Melodie in jeder Zelle deines Körpers, in jedem Atemzug steckt, dann weißt du, dass du das richtige Stück gefunden hast. Es ist dann Teil deiner Geschichte. Und so wurde mir auch klar, mit welchen Komponisten ich arbeiten würde. Mein Mann sagte: Solange sie in Wirklichkeit tot sind, ist mir egal, was du mit ihnen machst.

Werden Popmusiker nicht häufig dafür belächelt, wenn sie sich mit klassischer Musik beschäftigen? Warum bist Du dieses Risiko eingegangen?
Variationen eines Themas haben in der Klassik eine lange Tradition. Wir befinden uns jetzt im 21. Jahrhundert, und die Art der Umsetzung, die Verwendung von Poesie, soll diesem Umstand Rechnung tragen. Mir gefiel die Idee, Wörter zu verwenden, die schon beinahe eine musikalische Qualität in sich tragen, also solche, die sich mythologisch deuten lassen. Ich habe also den Club der toten Dichter und den der toten Komponisten zusammengebracht. Mir war klar, dass es sich um ein schwieriges Unterfangen handelte, doch ebenso dachte ich, dass sich eine schöne Verflechtung der weiblichen Perspektive mit der männlichen ergeben könnte. Die toten Männer waren der Samen, und somit musste das Ei – also ich – sie penetrieren. Diese Umkehrung der Geschlechterrollen fand ich sehr spannend. Und mit der Deutschen Grammophon im Hintergrund dachte ich mir: Wie könnte ich ablehnen? Ich muss einfach nur sehr, sehr hart arbeiten.

Das hast Du. Dein Klavierspiel ist sehr präzise auf diesem Album.
Das sehe ich auch so und ich hoffe, man kann es hören, denn es handelte sich dabei um eine bewusste Entscheidung. Es fühlte sich für mich nicht einfach nach einer neuen Tori-CD an, sondern nach einer Kollaboration mit anderen Komponisten. Und obwohl diese Komponisten physisch nicht anwesend waren, waren sie trotzdem sehr präsent und haben einiges von mir abverlangt. Um ihren musikalischen Themen Tribut zollen zu können, musste ich jeden Tag am Klavier üben, anders als in den letzten 20 oder 30 Jahren, eher wie zu meiner Zeit am Peabody Konservatorium.

Im Kindergartenalter von fünf Jahren wurdest Du zur Musikhochschule, zum Peabody Konservatorium zugelassen, mit elf allerdings wieder rausgeschmissen, weil Du Dich mehr für Jimmy Page als für Johann Sebastian Bach begeistern konntest. Habt ihr euch denn mit diesem Album ausgesöhnt?
Interessant, dass Du danach fragst. Und in der Tat gibt es einen neuen Dekan dort, der mir über meinen Vater eine Nachricht zukommen ließ. Er schreibt darin, dass sie heutzutage anders an Musik herangingen als in den Sechzigern. Und um ehrlich zu sein, das hatten sie auch bitter nötig, denn zu meiner Zeit hatten sie sich gegenüber aktueller Musik komplett verschlossen. Sie begriffen einfach nicht, dass diese Abschottung der Kreativität abträglich ist. Der Dekan will nun eins meiner Konzerte besuchen und ich freue mich darauf, ihn zu treffen.

Deine Tochter, die auch auf dem neuen Album zu hören ist, ist jetzt so alt wie Du zu Deinem Rausschmiss.
Als ich elf war, waren viele Leute enttäuscht von mir. Wenn du dein Stipendium verlierst und deine Familie kein Geld hat, dann hast du das Ende des Weges erreicht. Damals verstand ich noch nicht, dass sich eine andere Tür öffnen würde. Ich musste dort weg, um zu wachsen. Im Grunde haben sie mir also einen Gefallen getan. Natashya hat mit ihren elf Jahren zumindest auf lokaler Ebene geschauspielert und gesungen, ohne den Hintergrund, mit fünf Jahren schon ein prestigeträchtiges Konservatorium besucht zu haben. Doch jetzt wird sie auf einer sehr gefragten Schule für Performing Arts ausgebildet. Im Gegensatz dazu war ich mit 13 längst ein Profi. Wir haben unterschiedliche Fähigkeiten und Interessen und ich glaube, das ist auch ganz gut so, um nicht miteinander in Konkurrenz zu treten. Sie liebt zum Beispiel den Blues. In ihrem britischen Akzent sagte sie zu mir: Mommy, als ich mit neun den Blues entdeckt habe, habe ich die Welt mit neuen Augen gesehen. Und ich dachte mir: Good for you, girl.

Für Dich war’s damals Led Zeppelin.
Led Zeppelin hat für mich Welt verändert, das stimmt.

Wie hat es sich mit der Mutter-Tochter-Beziehung im Studio verhalten?
Als ich mit ihr dieses Album aufnahm, habe ich mit ihr als Produzentin gearbeitet. Die Mutter in mir war da eher skeptisch. Schließlich wusste ich, dass die Presse ihr Augenmerk auf sie richten würde. Meine Nichte, die auch auf dem Album singt, ist 19 Jahre alt, lebt in New York und studiert. Sie befindet sich an einem ganz anderen Punkt ihres Lebens. Doch Tash ließ nicht locker. Also musste ich die Mutter vor die Tür schicken, um der Tochter den Weg frei zu machen. Als Produzentin bin ich teuflisch, aber fair. Das werden Dir die Musiker, mit denen ich in den letzten 20 Jahren zusammengearbeitet habe, gerne bescheinigen: liebevoll, aber tough. Also sagte ich zu Tash: Wenn du mit mir arbeiten willst, dann wirst du es mit mir als Produzentin zu tun haben. Und sie sagte: Okay, Tori Amos! Und wir hatten eine tolle Zeit.

Auf der Bühne werden weder Tochter noch Nichte dabei sein, dafür ein Streicherquartett, mit dem Du Deinen Liederzyklus allerdings nicht von vorn bis hinten durchexerzieren wirst.
Spielte ich jeden Abend dasselbe, würde ich mir die Möglichkeit nehmen, auf meine Umgebung reagieren zu können. Ich entscheide erst etwa eine Stunde vor Konzertbeginn, was ich spielen werde. Dann hatte ich die Gelegenheit, mich mit Leuten zu treffen, einen Soundcheck zu machen und die Stadt in mir aufzunehmen. Bei einer Performance geht es darum, die Energien der Konzertbesucher zu kanalisieren; sie greifbar zu machen und sie zu kontextualisieren.

Das fordert viel von Dir.
Das fordert viel von mir, gleichzeitig gibt es aber auch mehr zurück als es nimmt. Wenn du die Bühne betrittst und glaubst, alles allein zu machen, dann machst du dir etwas vor. Und die Musen werden dir nicht dienen und die toten Komponisten – die drehen dir ganz schnell den Rücken zu. Strawinsky hat mal von einer Kraft berichtet, die zuzulassen es bedeutet, bescheiden zu sein und gleichermaßen zu wissen, ein Ziel erreichen zu können. Du musst kapieren, dass du nur ein Co-Creator dieser Kraft bist. Ich kann Dir nicht sagen, was diese Kraft ist. Ich nenne sie nicht Gott, da die religiösen Implikationen der Musik nicht Genüge tun. Ich glaube, jeder Künstler ist Teil eines kreativen Kollektivs. Wenn also Leute zu meinen Konzerten kommen, hoffe ich, dass sie wissen, Teil einer Konversation zu sein. Und wenn sie mit dem Gefühl, etwas mitgenommen zu haben, aus dem Konzert gehen, dann haben sie ihr Stück dazu beigetragen, das Gleiche gilt, wenn sie glauben, das Konzert hätte nichts getaugt. Meine Konzerte funktionieren nur mit dieser Abhängigkeit.

Tori Amos spielt heute Abend in der Philharmonie Essen.

Mehr von Tori Amos hört Ihr heute im Magazin ab 15 Uhr heut mit Oliver Stangl.

Atlas Sound – „Parallax“

VÖ: 04.11.2011
Web: „http://4ad.com/parallax/“
Label: 4AD

Dieses Jahr war bislang ein hochwertiges, was die Qualität der Veröffentlichungen nordamerikanischer Indiemusiker anbelangt. Tu Fawning sorgten gleich zu Beginn für eine hohe Messlatte; dann folgten Destroyer, Battles, die Fleet Foxes, Bon Iver, CANT, Fucked Up und die Handsome Furs, Future Islands und St. Vincent, die Liste ließe sich leicht noch fortsetzen. Alle haben sie neue Werke veröffentlicht, auch „Within And Without“, das Album Washed Outs, für viele zwar hinter den ursprünglichen Erwartungen zurückbleibend, ist letztlich ein sehr gutes.

Da fragt man sich, was denn jetzt, da das Jahr langsam dem Ende entgegen rinnt, eigentlich noch kommen könne. Die Antwort legt uns Bradford Cox alias Atlas Sound mit „Parallax“ vor. So heißt sein neuer, aktuell auf 4AD erscheinender Output.

„Parallax“ ist eines dieser Alben, die man so schnell nicht wieder loslassen möchte, eine fesselnde Bündelung faszinierender Musik. Dass Cox ein Musiker ist, der viele Menschen immer wieder aufs Neue mit seinen Klängen berührt, zeigte sich bereits letztes Jahr wieder, als er mit seiner Hauptband Deerhunter „Halcyon Digest“ unter die Leute brachte. Für viele war schnell klar, dass das eines der Alben des Jahres werden musste. Bei den – manche würden sagen – Göttern des zeitgenössischen Online-Indie-Musikjournalismus, den Redaktionsmitgliedern von Pitchfork, schaffte es das Werk dann auch auf Platz drei der Jahrescharts; nur LCD Soundsystem und Kanye West waren besser. Deerhunters leicht psychedelisch angehauchter Indierock überzeugte und überzeugt Kritiker weltweit.

Auch Cox‘ Soloprojekt Atlas Sound genießt vor diesem Hintergrund natürlich besondere Aufmerksamkeit seitens der Musikpresse. Und das zurecht. Auf „Parallax“ sammelt Bradford Cox analog zu den beiden Vorgängern wieder die Momente, die er nicht mit Deerhunter ausarbeiten möchte, sondern lieber eigenständig verarbeitet. Es sind intime Momente, melancholische, aber auch extrovertiertere, die sich in Liedern wie dem breiter instrumentierten „Angel Is Broken“ ausdrücken, das nach guten zwei Dritteln des Albums erklingt. Ebenso gut kommen allerdings auch Stücke von reduzierterer instrumentaler Ausstattung vor, geprägt von Akustikgitarren, Bass, Schlagzeug und dezenten elektronischen Ausschmückungen, die für den Feinglanz sorgen. Beispielhaft ist hier nicht nur das introvertiert wirkende, die Gefühle bis aufs Äußerste ausreizende „Terra Incognita“, eines der paar Lieder, die bereits vorab zu hören waren, in dem Bradford Cox‘ Stimme wie so oft geradezu schwebt.

Das Schweben ist indes ein beim Hören von Atlas Sounds Musik auftretender Zustand. Von einer zauberhaften Leichtigkeit beseelt bewegt sich Bradford Cox‘ eigenwillige Stimme häufig geradezu, zu keinem Zeitpunkt allerdings so verwaschen, wie es sonst derzeit in Mode ist. Die Stimme ist immer klar, immer präsent, immer berührend, immer im Mittelpunkt. Es ist eine handfeste, eine greifbare Psychedelik, die in diesem Fall vorherrscht, und welche Atlas Sounds Musik so nahbar macht.

Auf dem Cover von „Parallax“ posiert Bradford Cox mit einem Mikrofon in schwarzer Umgebung; es ist nur er selbst, nichts dass ablenkt, es sind nur er und seine Stimme, die im Mittelpunkt stehen. „Everywhere I go / There is a light / And it will guide the way“ singt Cox mit dieser Stimme am Ende. Hoffentlich weist uns das Licht den Weg zu zahlreichen weiteren großartigen Atlas-Sound-Alben. Zunächst aber macht uns auch „Parallax“ alleine schon unglaublich glücklich.

Das ByteFM Album der Woche – mit freundlicher Unterstützung von Panasonic.

Jeden Tag spielen wir im ByteFM Magazin zwischen 15 und 17 Uhr einen Song aus unserem Album der Woche. Ebenso im ByteFM Magazin am Abend, montags bis freitags ab 19 Uhr. Die ausführliche Hörprobe folgt am Freitag ab 13 Uhr in Neuland, der Sendung mit den neuen Platten.

Label: 4AD | Kaufen

Was Ihr Wollt am 01. November: The Sound of Music

Von Atlas Sound kommt unser Album der Woche und – wie immer – liefert der Bandname den Aufhänger für die nächste Folge von Was Ihr Wollt: The Sound of Music.
Bands mit klangvollem Namen und Musik mit besonderen Sounds. Musiker, die sich besonders durch den Klang ihrer Produktionen definieren oder die den Klang der Musik zum Thema machen.

Von den „Pet Sounds“ der Beach Boys über Soundgarden, Rhythm & Sound, Musik von Broadcasts Album „Ha Ha Sound“ oder aus dem Musical „the Sound of Music“.

Eure Songs zum Thema „the Sound of Music“ hört Ihr am Dienstag ab 17 Uhr in Was Ihr Wollt.

Vorschläge könnt Ihr live während der Sendung als Kommentar auf unserer Facebook-Seite setzen oder schon jetzt unter diesen Magazin-Post.

Wie immer gilt:
 You Say, We Play (alle Songs, die wir auftreiben können).

Was Ihr Wollt – am Dienstag, dem 01. November um 17 Uhr.

Tickets für Wild Beasts

Flickr | Enfant Terrible by Sasha Bond |(CC BY-NC-SA 2.0)

Von fiebrigem Indierock über Art Funk zu majestätischer Schönheit. Mit jeder Platte überraschen die Wild Beasts mehr und etablieren sich mit ihrem ditten Album „Smother“ endgültig als eine der momentan inspiriertesten und fesselndsten Bands: Ein Album, das Song für Song tiefer hineinzieht in eine Welt aus aufreibenden, bewegenden Moment, nie sicher, wo der nächste kompositorische Twist lauert.

ByteFM präsentiert die Tour von Wild Beasts und verlost exklusiv unter Mitgliedern unseres Fördervereins „Freunde von ByteFM“ für jedes Konzert 2×2 Karten. Wenn Ihr gewinnen wollt, schreibt uns bis zum 01.11. eine Mail mit dem Betreff „Shakespeare“, Eurer Wunschstadt und Eurem Vor- und Zunamen an verlosungen@byte.fm. Die Gewinner benachrichtigen wir rechtzeitig per Mail.
Ihr seid noch kein „Freund von ByteFM“? Hier erfahrt Ihr, wie Ihr es werden könnt und welche Vorteile das mit sich bringt.

03.11.11 Berlin – Berghain
04.11.11 Hamburg – Kampnagel
05.11.11 Köln – Gebäude 9

Neue Platten: I Heart Sharks – „Summer“

(AdP Records)

7,0

Ist das die Platte des Winters? Sie könnte es zumindest sein, wenn man sich den Titel anschaut: „Summer“. Sommer. Und was hat der Sommer im Winter verloren? Für die meisten ist der Sommer im Winter eine tief liegende melancholische Sehnsucht. Einhergehend mit Glück und Wärme. Zu einem Hirngespinst verwelkt der Sommer im Winter, der grau, eisig und hart sein kann. Um diese Zeit zu überstehen, würde die Band I Heart Sharks entgegnen, musst du dir den Sommer einfach einbilden, ihn dir warm halten: „let’s just pretend it’s summer“. Welch eine innovative Idee. I Heart Sharks ist ein New-York-London-Bayern-Trio, das sich in Berlin zusammengefunden hat. Sich in Berlin für irgendwas zusammenfinden, das ist unter kreativen jungen Leuten heute so selbstverständlich, wie der sonntägliche Gang zum Bäcker.

I Heart Sharks sind jung und sie gehören zu den „durch und durch ästhetisierten Menschen des 21. Jahrhunderts“, wie der SPIEGEL-Artikel „i“ die Zielgruppe von Apple-Produkten zu erkennen versucht: „Es sind zeitgemäße Produkte für den Menschen […], der zeigen will, dass er auf dem Laufenden ist, kein Technikfreak, […] aber auch kein Technikfeind, der einen Sinn für […] die seltsame Erotik hat, die von Objekten mit runden Ecken und glatten Oberflächen ausgeht.“

Dass damit auch das musikalische Geheimnis von I Heart Sharks erklärt wird, daran haben die Autoren nicht gedacht. Denn mit der Musik von I Heart Sharks verhält es sich wie mit Apple-Fans. „Summer“ ist zunächst ein Album für die musikalische Oberklasse. Oder will es zumindest sein. Man spürt das. In der lauten Art des Gesangs, der an vielen Stellen eingebildet wirkt, in der Art der Proklamation. Im Song „Neuzeit“, in dem im Stile vom Ja,-Panik-Album „DMD KIU LIDT“ in Germanenglish gesungen wird, heißt es: „und wir machen neue Geschichte“. Die Band hat den „Berlin-Sound“ aufgesogen, diesen immer noch leicht revolutionären, nach Aufbruch schmeckenden Sound. Ohne Probleme kann man sich I Heart Sharks vorstellen, wie sie mit erhobenen Fäusten die Bühne betreten: Wir sind da, wir kämpfen für Euch, gegen die Dinge, gegen die es sich zu kämpfen lohnt. Wofür wissen wir noch nicht, aber das hier, das ist unsere Musik dazu. Doch die ist keineswegs unkonventionell oder avantgardistisch, wie man es von der Bohème, den „intellektuellen Randgruppen“ (Wikipedia) erwarten könnte. Es ist elektronische Popmusik. Nicht allzu poppig, doch eher mit runden, als mit kantigen Ecken. Mit der Musik von I Heart Sharks verhält es sich wie mit Apple-Fans: Beide sind zeitgenössisch, nicht zu andersartig, aber um Himmels willen wollen sie nicht dem Normalen zugeschrieben werden.

Und hier kommt „die seltsame Erotik […], die von Objekten mit runden Ecken und glatten Oberflächen ausgeht“ ins Spiel. Denn „Summer“ verhält sich so: Es ist ein kryptisches flaches Pop-Album, von dem eine „seltsame Erotik“ ausgeht. Auffallend ist, dass nicht nur die Musik auf Anschlag aufgenommen worden ist, sondern auch die Texte geradezu herausgeschrien werden. Phrasenschmettern: “I never wanted to fall in love in a place like this“ („Rien Ne Va Plus“), “if you ask no questions you hear no lies” („Lies”) und ganz schlimm: “There’s nothing more sad than an angle without light, this is the Neuzeit” („Neuzeit”). The Neuzeit also. Ist es das, was die Band mit ihrer Musik bewirken will? Eine neue Zeitrechnung einleiten? Eine neue Dimension erfinden?

Mag es dem Album an einer lyrischen Basis mangeln, die die vielen leeren Floskeln mit Leben füllen könnte. Mag es aufdringlich und laut sein. Mag es bloß den Anspruch haben, cool zu sein. Mit „Summer“ veröffentlichen I Heart Sharks ein schnelles Elektropop-Album, das geschickt instrumentiert ist und dessen Spannung über die Länge der Platte gehalten wird. Wer keine lyrischen Wunderwerke erwartet, bekommt zwölf tanzbare melodische Tracks, an denen man sich nahezu ergötzen kann, denn der zunächst eingebildet wirkende Gesang bekommt nach mehrmaligem Hören eine tranceartige Note. Die Gitarren und Synthesizer wirken bewusst platziert und lebendig. Lediglich eine kleine Verschnaufpause täte dem Album gut, ein Instrumentalstück zum Beispiel. Doch Verschnaufpausen geben sich Apple-Nutzer eigentlich auch nicht. Na, also!

Label: AdP Records | Kaufen

ByteFM Tanzklub im Fundbureau

Der Sommer ist vorbei. Die letzten Sonnenstrahlen haben wir genossen, ab jetzt ist Winter angesagt. Dunkelheit, Regen und dick vermummte Gestalten bestimmen das Bild auf den Straßen. Zeit, um es sich drinnen gemütlich zu machen und Winterschlaf zu halten.

Aber HALT STOP! Wir haben etwas dagegen: Ab dem 03.11.2011 schwingen wir mit Euch das Tanzbein. Ab sofort findet einmal im Monat der ByteFM Tanzklub statt. An jedem ersten Donnerstag im Monat im Hamburger Fundbureau?!. Der Eintritt ist frei, dafür zahlt Ihr an der Bar auf das erste Getränk zwei Euro extra. Für die erste Ausgabe am 03.11.2011 legen ByteFM DJs Christa Herdering und Patrick Ziegelmüller die Musik auf, Georg Kühn wirft bunte Bilder an die Wand und Tom Fleischhauer sorgt für den Rest.

Also: Müßiggang ist Mittwoch, Donnerstag ist der Tag der Heiterkeit. Der ByteFM Tanzklub im Fundbureau?! am Donnerstag, den 03.11., der Eintritt ist frei (2€ Aufschlag aufs erste Getränk).

Konzertkritik: Civil Civic und Camera im Marie Antoinette, Berlin, am 26. Oktober

CIVIL CIVIC | Flickr | (CC BY-NC-SA 2.0)

Den Weg entlang der Holzmarktstraße in Berlin tritt man normalerweise früh am Morgen an. Scheinbar endlos erstreckt sich das Hauptgebäude der Berliner Verkehrsbetriebe (BVG) entlang der S-Bahn-Trasse. Wurde man dabei erwischt, wie man sein Ticket vergessen oder nicht gelöst hat, empfiehlt es sich, möglichst schon vor den Öffnungszeiten die BVG Zentrale aufzusuchen, mittags wartet man oft Stunden um seinen Einspruch gegen das erhöhte Beförderungsgeld einlegen zu können. Doch hinter diesem lieblosen Klotz mit dem gelben Corporate Design verbirgt sich eine der schönsten Locations Berlins. Das Marie Antoinette hat sich unter der S-Bahn-Brücke eingenistet und wirkt zumindest auf den ersten Blick unauffällig. Tritt man jedoch durch die Tür, findet man sich in einem geschmackvoll ausgeleuchteten und eingerichteten Venue wieder. Die gewölbte Decke schmeichelt durch ihre Weichheit und die Diskokugel, die dem Raum ihre Lichtpünktchen anheftet, setzt einen romantisch-verspielten Akzent. Mit viel Liebe wird hier vorbereitet, an der Bar bedient, ein entspannter Umgang mit Band und Publikum gepflegt – man kennt sich und doch ist jeder Unbekannte willkommen.

Es kommt selten genug vor, dass die Vorband in Konzertberichten eine Erwähnung findet. Am Mittwochabend war es aber vor allem die Supportband Camera aus Berlin, die mit ihrem sphärischen Krautrock überzeugt hat. Mit einem hingebungsvollen Schlagzeuger in ihrer Mitte, malträtierte das Trio ihre Instrumente und schuf so eine Klangatmosphäre, die das Publikum hypnotisiert zurückließ. Die Gesichter zur Bühne gewendet, starrten viele Zuhörer wie durch die Band hindurch, verloren sich in ihren Gedanken, ließen sich von der Musik tragen und nur schwer wieder in das Hier und Jetzt zurückholen. Die Songs von Camera sind wie ein Mantra aufgezogen, Repetitionen untermauern die Melodien, und machen es schwer, sich der Band zu entziehen. Stellt man sich vor, dass die Band zuweilen auch mit Sänger auftritt, ist es nur ein kleiner Schritt zu einem Vergleich mit Can.

Das australische Duo Civil Civic hatte seinen gesamten Auftritt über mit Tonproblemen zu kämpfen. Bassist Ben Green bekam aus den Lautsprechern neben ihm nur den Ton von Gitarrist Aaron Cupples zu hören und musste fast nach jedem Song darauf hinweisen. Auch konnte man ihm ansehen, dass er sich nur schwer auf den Auftritt konzentrieren konnte. Obwohl die Stimmung zwischen den beiden entspannt und gelöst war, schien der Ton beide gleichermaßen zu stören. Die Gitarre hätte etwas weniger Spitzen im Ton vertragen können, übersteuerte teilweise und der Bass waberte mit einem unangenehmen Hintergrunddröhnen durch den Raum. Vielleicht sind das akustische Abstriche, die man bei dieser Raumstruktur machen muss. Leider litt das Konzert von Civil Civic sehr darunter. Nur die Hälfte der Location war gefüllt und direkt vor der Bühne war die Soundqualität kaum auszuhalten.

Die Tonprobleme waren vermutlich der Hauptgrund dafür, dass Civil Civic vergleichsweise kurz gespielt haben. Zumindest kann man sich trösten: Civil Civic sollte man live nochmal eine Chance geben. Der Ton macht die Musik.

Neue Platten: I Break Horses – „Hearts“

(Bella Union/Cooperative Music)

6,0

Letzte Woche wurde hier mit Veronica Falls noch der Herbst beschworen und musikalisch zelebriert, heute gibt es entsprechend der sinkenden Temperaturen da draußen den ersten Winterhit: passenderweise „Winter Beats” betitelt. Er kommt vom schwedischen Duo I Break Horses und ist der erste Song ihres Debütalbums „Hearts“. I Break Horses, so hieß ein Song von Bill Callahan, den er noch unter dem Namen Smog geschrieben hat: „I break horses / They seem to come to me / Asking to be broken“ singt er da. Ob Maria Lindén und Fredrik Balck, die hinter I Break Horses stecken, sich nach dem Song benannt haben, bleibt ungewiss. Sicher ist nur, dass ihre Songs zerbrechlich klingen, so wie das bereits genannte Stück „Winter Beats“.

Interessant ist die Arbeitsweise der beiden Schweden. Balck schreibt die Texte und Lindén vertont diese Texte im Anschluss. Der Gesang ist dabei häufig undeutlich und nur entfernt zu hören, ein verdecktes Rauschen, die Musik steht doch sehr im Vordergrund. Drei Jahre schrieben die beiden an den neun Songs.

„Winter Beat“ baut sich langsam auf und lädt den Hörer zum Abheben ein. Ein Synthesizer, der ihn wie auf einer Wolke davon trägt. In der Mitte pausiert er kurz, um dann zu explodieren. Dabei entsteht ein rauschhafter Sog, der gegen Ende des Songs in einer Soundwand kulminiert. Der zweite Song „Hearts“ trägt diese Stimmung weiter, es rauscht weiterhin und dazu erklingt der sirenenhafte Gesang von Maria Lindén. So wabert es bis mit „Wired“ der erste Song ohne Synthies beginnt und eine angenehme Ernüchterung darstellt. Ein wunderbar konstruierter Song, der ganz in die Fußstapfen von The Jesus And Mary Chain oder My Bloody Valentine, Lindéns Helden, wandert und zum Ende hin den Hörer aus der kurzen Phase der Ruhe reißt und wieder mit auf den Wolkenritt nimmt. Zu „I Kill Love, Baby!“ lässt sich prima auf der Wolke einschlafen und meditieren. Bei „Pulse“ klicke ich verwirrt wieder auf Anfang und höre nochmal genau hin: Ist das nicht die Stimme von Kazu Makino, ihrerseits Sängerin der amerikanischen Band Blonde Redhead? Nein, Lindén klingt nur wie ihre Schwester. Spätestens beim Song „Cancer“ hat man das Prinzip „I Break Horses“ verstanden: Zu atmosphärischem Sound hallt und rauscht Lindéns Gesang engelsgleich, Worte sind bedeutungslos, es geht um das Soundkonstrukt. Das wirkt teilweise ein wenig ermüdend und redundant, doch „Load Your Eyes“ stellt eine willkommene Abwechslung auf der Soundwolke dar. Lindéns Coolness kommt hier mehr zum Tragen, wenn der Sound sich etwas zurückhalt. Bei „Empty Bottles“ wird der Hörer auch noch einmal aus seiner Herbstmüdigkeit gerissen, die Bassdrum stimuliert das Herz und den Puls. „No Way Outro“ schubst den Hörer mit einer riesigen Soundschleuder hinab von der Wolke, zurück auf den Boden der Tatsachen. Zurück bleiben ein kleiner Schwindel vor lauter Rauschen und die alte Binsenweisheit, dass manchmal weniger doch mehr sein kann.

Label: Bella Union/Cooperative Music | Kaufen

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